No es que Brad Pitt haya hecho películas malas, pero sí que es cierto que como en ésta no aparece en ninguna. Brad Pitt se consagra con este film como el actor número uno en el panorama mundial cinematográfico. Últimamente nos tiene entretenidos con sus apariciones en público con su mujer, Angelina Jolie, sus actos humanitarios y sus innumerables hijos. Pero la actuación en esta película es indescriptible.
Brad Pitt, en la ficción Benjamin Button, nace con una extraña enfermedad en la cual nace siendo viejo y muere siendo un bebé, la vida al revés. Se enamora de una niña siendo un anciano y se muere con una anciana. En este film se narra la vida más humana, más romántica, más débil y más vital que una persona puede tener.
Cuando nadie daba un duro por Benjamin, poco a poco, se va fortaleciendo, adquiere nuevos conocimientos, sufre el amor, el desamor, la pasión, La Segunda Guerra Mundial… Todo con un toque de humor que hace que el espectador no quede indiferente.
Una película parecida en su comienzo al superfilm Titanic pero que su trasfondo adquiere mayor profundidad a lo largo de la historia. La caracterización es impecable. Vemos a un Brad Pitt ochentero, cincuentón, treintañero, veintañero… Irresistible para aquellos fans del actor, del director, David Fincher y de su compañera de reparto, Cate Blanchett.
Esperamos que sea todo un éxito en la Gala de los Oscar de Hollywood.
Crash logra de forma magistral una puesta en escena de la caída de los ideales que caracteriza a nuestra sociedad actual, y no conformándose con esta demostración, también logra confrontarnos con la única salida posible tras la caída de los ideales: «que cada quién, se haga responsable de sí mismo y de su destino».
Sólo quien pueda dar ese salto, no sentirá desesperanzadora esta película, sino todo lo contrario, la puerta hacia la única realidad posible para la humanidad.
Para poder asumir nuestro destino, es decir, responsabilizarnos de nosotros mismos, tenemos que dejar de ser esclavos del Otro, y que quiere decir eso, se preguntarán, pues simplemente dejar de necesitar creer en la existencia de un garante externo que impida que nos ocurran percances, un garante que logre mantener un orden, una ley, una ética para la convivencia armoniosa de los seres humanos.
Primero, Crash nos hace ver la corrupción a todos los niveles, desde la policía, a los servicios dispensadores de salud, a los representantes del gobierno, etc, entonces, «no hay papá gobierno». Por otro lado, nos regala esas hermosas escenas del cerrajero latino, su esposa y su pequeña hija, quienes han asumido la responsabilidad sobre ellos mismos, a pesar de sus modestos recursos socioeconómicos y culturales.
También se puede disfrutar del pasaje que da un cambio de perspectiva, en la esposa del Fiscal, representada por Sandra Bullock, quien luego de mostrarse muy temerosa de los otros diferentes a ella, los 2 negros que encuentra en la calle, antes de ser atacada, y el cerrajero latino, cae en cuenta de que algo no anda bien en ella, pues siempre esta malhumorada y desesperanzada, e inmediatamente de ésto, no pudiendo tramitar este contundente verdad, hace un pasaje al acto, cayendo por las escaleras, luego de lo cual logra su espacio en el mundo, abriéndose a los diferentes, es decir dejando de idealizar a los suyos: esposo, amiga, etc. Y quizás de una forma mucho mas teatral, en el «malandro», aparentemente mas malo, quien criticaba absolutamente todo, no creía en nadie, pero no atacaba a sus semejantes, y luego vemos como queda «noqueado» ante lo que le sucede con el director de cine, y luego… su salto hacia una nueva perspectiva para su vida.
Dos amigos comparten un sueño: montar un estudio musical. Ellos son Cuajo, un payo agitanado que, debido a una parálisis cerebral, anda con dificultad; y Adolfo, un mulato que lleva mal el alcoholismo de su anciano padre.Se estrenó el 16 de enero y todo apunta que es un largometraje de autor recomendable.
La pareja se ha lanzado a la reforma de un local, y trampeando consiguen el equipo que necesitan; pero aún les falta dinero para pagar a los obreros, y por ello se lanzan a vender videoconsolas, con gran éxito, y abrigos de visón, que éxito nulo. El intermediario se mosquea cuando no recibe el dinero acordado, y Cuajo y Adolfo empiezan a verse con el agua al cuello.
Neorrealismo a la española. Tono documental y ambientes marginales, interesantes tipos humanos que se esfuerzan por salir adelante, son las notas dominantes del debut en el largo de Santiago Zannou, que antes hizo los cortos Mercancías y Cara sucia, este último ganador del Goya. El cineasta, hijo de africano y aragonesa, muestra inquietudes sociales a la hora de bosquejar los muchos obstáculos que han de superar los protagonistas para salir adelante. Conmueve ver a Cuajo bajando con esfuerzo denodado una escalera, o teniendo dificultades para ligar con una joven, o a Adolfo llevar a urgencias al desastre de su padre, y estar él mismo enganchado a la droga. Los actores son no profesionales -Langui, que encarna a Cuajo, tiene una tara física de nacimiento, y lidera una banda de hip-hop-, y resultan convincentes en su aspecto de personas bregadas por la vida, ese «no me digas que no se puede» de Cuajo tiene el atractivo de lo real, del tipo que sabe lo que es luchar en esta vida. Hay lirismo en algunos pasajes de este canto a la amistad, y un tono agridulce en las escenas en que lo que uno se propone se derrumba como un endeble castillo de naipes. Quizá Zannou se demora en exceso en algunos pasajes, y el tono cutrerrealista puede ahuyentar al espectador. Pero es obligado reconocerle su pulso narrativo.
La saga de ‘El Padrino’ está considerada como una de las mejores trilogías de la Historia del Cine, y por separado cada una de ellas forma parte de un lugar destacado entre las más grandes películas de todos los tiempos. Destaca la excepcional banda sonora de Nino Rota, una prodigiosa dirección de Francis Ford Coppola, y las interpretaciones memorables de Al Pacino, Marlon Brando, Robert De Niro, Robert Duvall, Diane Keaton o Andy García. Este pack de 5 DVD´s contiene además abundantes e interesantes extras sobre la película y un nuevo doblaje. Además está remasterizada digitalmente e incluye los comentarios en audio de Francis Ford Coppola sobre las películas. Todo por 41,95€ en Fnac.
The Godfather, cuyo título completo original es: Mario Puzo’s The Godfather, conocida en español como El Padrino, es una película estadounidense de 1972 dirigida por Francis Ford Coppola. Esta narra la vida de Don Vito Corleone, jefe de una de las cinco familias que ejercen el mando de la Cosa Nostra en la ciudad de Nueva York en los años 40, representa la experiencia de los inmigrantes (en su caso italianos) a los Estados Unidos y al mismo tiempo expone las contradicciones del «sueño americano».» Está basada en la novela del mismo nombre de Mario Puzo, el mismo que ayudó a Coppola a adaptarlo a la pantalla grande, Robert Towne también intervino en la realización del guión pero no fue acreditado. La película contó con un reparto encabezado por Marlon Brando, quien interpreta a Don Vito; Al Pacino, James Caan y John Cazale en el papel de los hijos de Don Vito: Michael, Sonny y Fredo, respectivamente; Robert Duvall, como el hijo adoptivo de Corleone y abogado de la familia; y Diane Keaton, como Kay Adams, la novia de Michael.
El Padrino fue estrenada el 15 de marzo de 1972, ganando en primer fin de semana $302,393 y terminando por recaudar $134,966,411 a nivel doméstico (Estados Unidos) y más de $110,100,000 a nivel internacional, sumando más de $245,066,411 en ganancias, muy considerable teniendo en cuenta que su presupuesto fue de $6,000,000 de dólares. Es una de las producciones más aclamadas y apreciadas de la cinematografía estadounidense y mundial, siendo considera uno de los mejores filmes de todos los tiempos y la mejor película de Francis Ford Coppola. En 1973 se hizo acreedora a tres Oscar.
Tras sufrir una crisis emocional, un hombre decide enmendar sus errores pasados ayudando a siete extraños. Las cosas se hacen mucho más compleja cuando se enamora de una de ellas. Aquí Will Smith explora un poco el drama emocional, y si bien logra un dsempeño muy aceptable, la historia lo rebasa en diversas ocasiones.
A pesar de que «Siete almas» no ha obtenido el beneplácito de la crítica en Estados Unidos, es una película digna de ver. Efectivamente, Will Smith, no es un héroe como en «Hancock», pero queda demostrado que es un buen actor y que puede con todo. El intérprete paseó su palmito por España para promocionar el film y se metió al público en el bolsillo. Sabe cómo hacerlo, por eso ha llegado a donde ha llegado. Gabriele Muccino dirige esta cinta y vuelve a repetir con Smith, con quien ya coincidió en «En busca de la felicidad». Ben Thomas es un agente del fisco que esconde un secreto y, para redimirse, se dedica a salvar la vida de las personas de una forma muy humana, dejando al lado los superpoderes. En su tarea en encuentra el amor en Emily Posa (Rosario Dawson), una relación diferente que ablandará el corazón de cualquiera. Al principio, la película resulta algo confusa, pues el realizador no quiere desvelar qué es lo que pasa realmente, lo que enganchará el espectador. Seguramente será un exitazo en España, como todas las de Will Smith, y no sólo por él, sino porque la historia lo merece.
Homenaje de fondo a todos los mártires que son y han sido en la pelea por los derechos civiles de cualquier tiempo y condición, la película es un estimable tributo a la sombra gigantesca de un luchador admirable y semidesconocido.
En los años 70, Harvey Milk y su compañero sentimental Scott tienen una tienda en San Francisco que se convierte en un reclamo para los gays. La apuesta de Milk por la igualdad de derechos no pasa desapercibida en el barrio y, poco a poco, se adentra en una carrera política con apoyos de todo tipo. Su intención de llegar al gobierno municipal le aleja de Scott, acercándole a otros hombres. Cuando Harvey Milk es elegido concejal, romperá muchas barreras, pero también ganará peligrosos enemigos.
Este film recorre los últimos ocho años de vida del primer gay reconocido en ocupar un cargo público. Eran tiempos difíciles, la década americana de los 70, pero Milk logró hacerse un hueco en la política del cambio, empezando por ganarse el apoyo de sus vecinos en el barrio obrero de Castro. Tras su asesinato en 1978, sólo un año después de ser elegido concejal de San Francisco, se convirtió en un icono social por su perfil de luchador. La idea de lapelícula surge del oscarizado documental «The Times of Harvey Milk», aunque se ha preferido dar prioridad a las tramas políticas sobre las personales.
Gus Vant Sant se toma un receso, abandona por un instante los laberintos identitarios de la taciturna generación grunge, fotografiada en largos pasillos desiertos desde la espalda y en el meollo de tiempos muertos que parecen ser eternos, para volver al cine de encargo, que no visita desde hace casi una década, y bañarse en un mar de nominaciones al Oscar. Ahora bien, las distancias son relativas, y el Van Sant de «Mi nombre es HArvey Milk» se entiende muy bien con el de «Las days». Al fin y al cabo su empeño es el dibujo de un icono incomprendido, un hombre visionario y muy por delante del tiempo que le ha tocado vivir. Un rebelde con o sin causa, un emblema generacional y un fenómeno mediático en distinta escala. Más allá del tono del relato propiamente dicho, evidentemente diverso, el Harvey Milk de su última película proyecta los mismos fantasmas y parecidas sombras de las que proyectaba Kurt Cobain («The Last Days»).
El desenlace trágico y abrupto de ambas vidas no es sino el pegamento que une los cabos, en otros aspectos muy divergentes, de ambas propuestas.
La película se considera un cine mucho más auténtico y visceral, más personal si se quiere, que el de la etapa Will Hunting, y sin embargo hay un muro que Van Sant se muestra incapaz de franquear: el de los corsés narrativos del biopic clásico. Insertando imágenes de archivo, renunciando de salida a la estructura lineal de la biografía hagiográfica, desde el movimiento incesante y la mecánica impecable de un montaje dinámico y proverbialmente fragmentario, Van Sant ejecuta el desafío con toneladas de oficio y no menos cantidad de solvencia. Y a pesar de todo, a pesar de la precisión en los trazos que sostienen el retrato del héroe, a pesar de la soberbia factura global del mecanismo, «Mi nombre es Harvey Milk» se deja ir emulando defectos universales del desagradecido género de la biografía fílmica.
Por un lado los brochazos que definen el elenco casi al completo de personajes secundarios, superficialmente citados y caracterizados, por otro los vicios beatíficos y unilineales del biopic esquemático, y por otro la dictadura de las imitaciones y el desfile de parecidos razonables.
La cinta de Van Sant le canta las cuarenta a los alérgicos crónicos a la integración de la cultura gay en los estratos superiores de la sociedad y la política. Pero también a los que niegan por cerril resistencia al progreso el oxígeno a los que piensan y caminan de otra manera. Ahora y siempre. El rapapolvo a esos dinosaurios sociales, sin embargo, no tiene nada de extraordinario, y la profundidad del discurso es corta y escasa. Van Sant, como Sean Penn, sale más que airoso del empeño.
Por fin sacan esta joya de Stanley Kubrick en una edición remasterizada, con extras y en un estuche metálico a un precio excepcional ahora en rebajas, 14,95€ en Fnac. Nadie se puede quedar sin ella.
Las aventuras de un joven cuyos principales intereses son la violación, la ultra-violencia, y Beethoven. Alex tiene sus propios métodos para divertirse y descargar su tremenda agresividad y lo consigue disfrutando a expensas de la tragedia y la desgracia de los demás. La historia de Alex, desde sus comienzos como delincuente sin moral hasta convertirse en un civilizado ciudadano integrado en la sociedad tras someterse a un tratamiento capaz de eliminar sus instintos violentos, forman la dinámica e impactante visión futurista de la novela de Anthony Burgess. ‘La naranja mecánica’ es una ‘película de culto’ absolutamente inolvidable, dirigida por el maestro Stanley Kubrick (‘La chaqueta metálica’, ‘Senderos de gloria’).
Los extras solo están con audio Dolby Digital 2.0: Inglés, y con subtítulos en Español, Inglés, Alemán, Francés, Italiano, Holandés, Danés, Finlandés, Griego, Noruego, Portugués, Sueco.
Hay que recordar que este film estuvo censurado mucho tiempo por el alto nivel de violencia. Además, cabe destacar algo que pocas personas conocen y es que, esta película está basada en la novela que lleva por nombre el mismo y que el final de esta, termina que los jóvenes agresivos se convierten en personas normales, casados, con hijos, una vida como cualquier otra; Estados Unidos censuró ese final por no creer en la reinsercción de criminales. Algo llamativo y que no deja de sorprendernos.
La finalidad del periodismo sensacionalista es el lucro, que determina sus acciones y movimientos. Por ello es de poco interés plantear su crítica desde la ética o la moral. En el caso de El gran carnaval, relato basado en un hecho real, un accidente ocurrido en Kentucky, en 1925, en el que murió un hombre, Floyd Collins, atrapado en el interior de una cueva y fue Billy Wilder el que lo llevó al cine.
En Estados Unidos este movimiento amarillista comenzó en el momento en que la competitividad de los grandes periódicos por hacerse con el mayor número de lectores y aumentar la venta, se apeló a la fórmula del escándalo, utilizando cuando convenía la invención de noticias, la exageración y el hacer de nimiedades problemas de relevancia. Uno de los sucesos más relevantes fue la distorsión con la que Hearst, el magnate estadounidense de la prensa, que controlaba los diarios “Examiner” y “Morning Journal”, precipitó en 1898 la declaración de guerra a España por parte del gobierno estadounidense. La agencia de noticias internacional “Associated Press” inventó en 1944 un ataque nazi contra una flota mercante brasileña en el Océano Atlántico que impulsó al gobierno de Brasil a hacerse parte de las naciones aliadas contra Alemania. Tras la victoria de la revolución cubana, en 1959, difundió en más de cuarenta oportunidades versiones falsas sobre una supuesta muerte del líder revolucionario Fidel Castro.
Pues esto llevado al extremo, pues se jugaba con la vida de un ser humano, es lo que ocurre en El gran carnaval. Un periodista ambicioso por el poder y el dinero, llega a un periódico de Alburquerque en busca de trabajo tras haber pasado por grandes periódicos pero con la mala de suerte que fue despedido de todos por su mal hacer. Cuando llega a la oficina ve en todas partes “TELL THE TRUTH”, algo que le llama la atención pero que hará caso omiso en su profesión. Pasa el tiempo y ve que las noticias que se dan son muy flojas, no tienen gran interés y un día, de repente, en busca de otra noticia llegan al lugar que le dará la fama. Un hombre se queda sepultado en la montaña de los siete buitres.
La noticia la escribe como mejor queda y no como es. Comprueba que tiene éxito y plantea a arquitectos y al sheriff apuntalar toda la montaña lo que llevará siete días. Es la manera más lenta para rescatarle pero esto beneficiará al pueblo y al propio periodista, son más días de redacción, de turistas, darán buena imagen al sheriff corrupto etc.
Charles Tantum (Kirk Douglas), el periodista, tiene espíritu de auténtico periodista a pesar de no haber estudiado nada, pues él mismo dice que es capaz, en caso de no haber noticias, salir a la calle a morder a un perro. Ahí se juega con el tópico de que la noticia no es el perro que muerde al niño sino que el niño muerda al perro. Pero a Tantum le fallan las formas, su ética periodística, la falta de valor de la verdad y sobretodo su falta de escrúpulos. Entonces se puede plantear que para saber todo esto y ejercer bien la profesión es necesario estudiar la carrera de Periodismo, no es todo saber escribir, hay que tener en cuenta una serie de principios, pues el periodista puede salvar, denunciar, informar y ayudar a la sociedad. Lo más degradante que hace es participar en la noticia.
Él modifica a su gusto la realidad para así elevarse a sí mismo. Y le ocurre lo previsto, “la ambición rompe el saco”, aunque al final, se ve arrepentido de todo el circo montado y se da cuenta que por su culpa una persona ha muerto. Eso no existe en la realidad. Periodistas que hacen mal su trabajo son pocos los que rectifican por sí mismos es también un ejemplo, a pesar de todo.
El título del film no hace ni más ni menos que una caricatura de lo que sucede en ese escenario de incertidumbre por salvar la vida de un ser humano. Pero en realidad no exagera demasiado puesto que alrededor de la montaña donde se encuentra el sepultado, se monta un circo y un gran parque de atracciones. Niños disfrazados de indios, cientos de coches en busca de divertimento y morbo por ver a la víctima.
Toda una crítica feroz al amarillismo, los rumores y en definitiva al mal periodismo. Muy de moda actualmente con la llamada “telebasura”. ¿Habrá un modo de acabar con ello?
Brad Pitt protagoniza el film «El curioso caso de Benjamin Button» que llegará a los cines españoles en febrero de 2009.
«Nací en circunstancias inusuales». Así comienza «El curioso caso de Benjamin Button», una adaptación de la historia de los años 20 del siglo pasado escrita por F. Scott Fitzgerald y que trata de un hombre que nace con ochenta años y va rejuveneciendo con el tiempo: un hombre que, como cualquiera de nosotros, no puede parar el tiempo. Desde la Nueva Orleans de finales de la I Guerra Mundial hasta el siglo XXI, en un viaje tan inusual como la vida de cualquier hombre, esta película cuenta la gran historia de un hombre no tan ordinario y la gente que va conociendo por el camino, los amores que encuentra y que pierde, las alegrías de la vida y la tristeza de la muerte, y que perduran más allá del tiempo.
Dirigida por David Fincher y con un reparto genial, Brad Pitt, Cate Blanchett y Julia Ormond entre otros. Garantiza ser un éxito.
Tras el afianzamiento en el prestigio que el cineasta David Fincher obtuvo con el estreno del thriller Zodiac, el estadounidense parece volver a apostar por un film de gran calado.
Esta producción de Paramount y Warner supone la tercera colaboración entre Brad Pitt y David Fincher tras las exitosas Se7en y El club de la lucha. El actor, protagonista de la cinta, contará con la ayuda de la tecnología para reflejar la insólita transformación. Fincher ha contado con un novedoso sistema llamado ‘Contour’, con el cual se consiguen unos efectos 3D fotorrealistas al cambiar el método de captura de imágenes por puntos por uno que recoge el movimiento de la piel al completo.
Otro de los activos de la película es la adaptación a guión cinematográfico realizada por Eric Roth, uno de los más aclamados guionistas en Norteamérica, autor de los libretos de El dilema o Munich.
La fecha prevista de estreno en Estados Unidos es el 19 de diciembre –para optar a los premios de la Academia-, mientras que en España tendremos que esperar hasta febrero. El trailer de El curioso caso de Benjamin Button acaba de estrenarse, antes de los pases de la cuarta entrega de las aventuras de Indiana Jones.
Procedente del enorme éxito sobre los escenarios nos llega la superproducción de este musical. Con la aportación de un elenco de grandes estrellas, las canciones de ABBA y un gran espectáculo que incluye baile y humor.
Sophie regenta un hotel en una isla griega junto a su madre Donna, una mujer rebelde que fue cantante en su juventud y que nunca le ha revelado el nombre de su padre. Ahora, la joven está a punto de casarse, y decidida a saber la verdad, lee el diario de su madre, pero se encuentra con tres posibles candidatos. A 24 horas del enlace, Sophie invita a los tres a la isla para que su verdadero progenitor la lleve al altar. Sin embargo, la tarea se complica al aflorar viejos amores y nuevos romances.
El 6 de abril de 1999, el Prince Edward Theatre de Londres asistía al estreno de un musical basado en las canciones del grupo ABBA. Se llamaba «Mamma Mia!» y era un homenaje a los seguidores del grupo, a través de una historia desenfadada llena de romanticismo. El fenómeno llegó a Broadway en 2001, lo que dio el pistoletazo para que la obra se adaptara a ocho idiomas en 170 ciudades diferentes. Pues bien, después de 30 millones de espectadores y casi una década de éxito «Mamma Mia!» llega al cine, y lo hace con dos garantías: el guión de Catherine Johnson (autora del libreto original) y la dirección de Phyllida Lloyd (responsable del montaje teatral). La película es una comedia romántica sobre una madre, una hija, y tres posibles padres, argumento ideal para que los números musicales de «Dancing Queen» o «Gimme, Gimme, Gimme» luzcan más divertidos que nunca.
El elenco de actores tiene muchos quilates. Meryl Streep cambia radicalmente de género después de «Leones por corderos», al igual que su hija en la ficción, la joven Amanda Seyfried (Nueve vidas). El trío masculino está formado por el ejecutivo Pierce Brosnan (Chantaje), el banquero Collin Firth (La última legión) y el aventurero Stellan Skarsgard (Piratas del Caribe). También intervienen Julie Walters, de la saga «Harry Potter» y Christine Baranski (Chicago).
El DVD, en cualquier establecimiento, contiene la película, comentario de la directora Phyllida Lloyd; Cameo de Björn Ulvaeus; Así se hizo Mamma Mia!; video musical de Gimme!Gimme!Gimme!; Número musical eliminado «The Name of the Game»; Escenas inéditas; Tomas falsas; La preparación de un cantante; Mamma Mia! por dentro y Anatomía de un nuevo musical: «Lay All Your Love On Me».
Para los Abba fanáticos es una obra imprescindible para la colección y para los que no lo son disfrutarán de una gran comedia musical.
The Namesake es una drama familiar que se acerca a un tipo muy diferente de familia contemporánea estadounidense: los Ganguli, que llegaron a los Estados Unidos procedentes de Calcuta, India, para poder experimentar un mundo de ilimitadas oportunidades, sólo para verse enfrentados a los riesgos y confusiones que trae consigo el intentar forjar una vida significante en una sociedad nueva desconcertante.
Inmediatamente después de su matrimonio concertado, Ashoke (Irrfan Khan) y Ashima (Tabu) vuelan desde la sofocante Calcuta a la invernal Nueva York, donde comienzan su nueva vida juntos. Siendo prácticamente extraños entre ellos y con Ashima ahora viviendo en una nueva y muy extraña tierra, su relación rápidamente toma un giro cuando Ashima da a luz a un niño. Con la presión de nombrarlo rápidamente, Ashoke se decide por Gogol, en honor al famoso autor ruso —un nombre que sirve de vínculo de un pasado secreto y, Ashoke espera, de un mejor futuro. Pero la vida no es fácil para Gogol, como sus padres desearían que fuera. Siendo un joven estadounidense de primera generación, Gogol (Kal Penn) deberá aprender a caminar sobre una delgada línea entre sus raíces bengalíes y sus derechos como americano en la búsqueda de su propia identidad. Conforme Gogol intenta forjar su propio destino —rechazando su nombre de pila, saliendo con una acaudalada niña estadounidense (Jacinda Barrett) y encaminado a estudiar arquitectura en la Universidad de Yale— sus padres se aferran a sus tradiciones bengalíes. Pero sus caminos se siguen cruzando con consecuencias reveladoras tanto cómicas como dolorosas… hasta que Gogol comienza a ver los vínculos entre el mundo que sus padres dejaron atrás y el nuevo mundo que yace frente a él.
Podemos observar como se realiza el choque cultural de Ashima Ganguli al llegar a los Estados Unidos y posteriormente el choque cultural de los hijos de la familia Ganguli al regresar a la tierra de sus padres. Así mismo veremos como las costumbres no son olvidadas, al contrario son mantenidas, a pesar de la lejanía de su país.
The Namesake, que abarca dos generaciones de la familia Ganguli, dos culturas discordantes y dos formas de vida diametralmente opuestas —que chocan entre ellas para entrelazarse afectuosamente— es a final de cuentas acerca de una pregunta apremiantemente superlativa: ¿qué significa ser una familia estadounidense?
The Namesake se basa en la novela The Namesake de Jhumpa Lahiri, adaptada a la pantalla grande por Sooni Taraporevala.
Película: The Namesake – El Buen Nombre
Estudio: Fox Searchlight Pictures
Director: Mira Nair
Una película que refleja una posible situación de la inmigración, de los jóvenes criados en países no de origen y el amor. Siempre estará el amor desafiando a la vida… Y la muerte y el cariño. Todo un elenco de emociones que te harán reflexionar.
Película de carretera, de largo recorrido físico y emocional, en la que las áreas de servicio, las barras de bar y sus pobladores, están más presentes que el asfalto en sí, My blueberry nights contiene algunas de las esencias simbólicas que han caracterizado el cine del director hongkonés desde su debut.
Norah Jones y Wong Kar-Wai formaban, a priori, un tándem de difícil combinación. Una actriz debutante para el primer film americano (y rodado en inglés, idioma que no domina) del director de «Deseando amar». Pero el cóctel ya está listo para ser degustado (abrirá el Festival de Cannes) en forma de road movie romántica que sigue a una mujer (Jones) que viaja por América buscando el verdadero significado del amor. El trayecto la llevará a cruzarse con toda suerte de personajes.
El reparto está compuesto por Natalie Portman, Jude Law, Rachel Weisz, Tim Roth y David Strathairn, además de Norah Jones.
Alejandro G. Calvo, crítico de cine, lo define así: Un road movie que se desliza por estaciones estáticas, bien diferenciadas unas de otras, con la mirada siempre fija en el bar neoyorquino donde los imposibles amantes saborean la tarta de arándanos que da nombre a la obra. Una pieza desequilibrada, genuinamente americana –las referencias son transparentes: la ruta 66, Las Vegas, el árido oeste…–, tan estridente como epatante, vaya, puro Kar-wai. No todo el mundo posee la inteligencia de reinventarse de David Lynch o Paul Thomas Anderson, ni siquiera Wong, así que éste destila lo mejor de su cine y lo acumula en un palimpsesto referencial que, sí, puede llegar a hacer parecer que la película es un reflejo atrofiado de sí mismo, pero aún en ese barroco entramado plástico se encuentra la fuerza necesaria para poder disfrutar sin complejos del film.
Bolt, un pequeño perro estrella de una serie de televisión, se cree demasiado su papel de héroe… incluso cuando se ve empujado, por accidente, a sobrevivir en el mundo real. Con la ayuda de un gato y de un hámster, Bolt inicia la búsqueda de su amada Penny, su compañera de reparto en el show, lo que le lleva hasta las peligrosas calles de Nueva York.
Los perros y el cine de animación siempre han hecho buena pareja. En esta ocasión, un can se convierte en una estrella de una serie de acción… hasta que las cámaras dejan de rodar. Aventuras made in Disney para toda la familia.
Al frente del reparto, en la V.O., está John Travolta (en su primer papel como doblador de un largometraje, aunque ya había probado suerte en un film estrenado directamente en vídeo), que aportó mucho más que su voz al perro protagonista: los realizadores afirman que el carácter del actor se trasladó a su personaje, y su característica risa se incorporó a Bolt. Sus compañeros de micro fueron Miley Cyrus (la popularísima Hannah Montana televisiva) y
Malcolm McDowell (el recordado protagonista de La Naranja Mecánica), que, evidentemente, dobla al villano de la función.
Tras los dibujos, Byron Howard y Chris Williams se estrenan como directores con este film, aunque el segundo tiene un cortometraje en su haber (Glago’s Guest) y el primero ha colaborado en los departamentos de animación del films como Pocahontas, Mulan o Chicken Little.
El 5 de diciembre ya llegó a los cines españoles Bolt y aún sigue en cartelera, ¿por algo será no?
Tom Hanks seguirá mostrándonos los misterios que guarda la iglesia católica en la ficción. El libro de Dan Brown se hace película de nuevo, al igual que «El Código Da Vinci».
«Ángeles y demonios» se inicia con el asesinato de un científico en un laboratorio de máxima seguridad, cuyo cadáver tiene un extraño símbolo grabado a fuego en su pecho. Para el profesor Robert Langdon no hay duda: los Illuminati, los hombres enfrentados a la Iglesia desde los tiempos de Galileo, han regresado. Y esta vez disponen de la más mortífera arma que ha creado la humanidad, un artefacto con el que pueden ganar la batalla final contra su eterno enemigo. Acompañado de una joven científica y un audaz capitán de la Guardia Suiza, Langdon comienza una carrera contra reloj, en una búsqueda desesperada por los rincones más secretos de El Vaticano. Necesitará todo su conocimiento para descifrar las claves ocultas que los Illuminati han dejado a través de los siglos en manuscritos y templos, y todo su coraje para vencer al despiadado asesino que siempre parece llevarle la delantera.
Parece ser que la iglesia puso trabas a la hora de rodar. Según palabras textuales del arzobispo Velasio De Paolis, jefe de la prefactura del Vaticano, «Ángeles y Demonios» no podrá rodarse ni en el Vaticano ni en ningúna otra iglesia de Roma ya que resulta una ofensa para Dios y hiere a los sentimientos religiosos comunes. También añadió que Dan Brown terjiversa las Escrituras para envenenar la fe. Sería inaceptable que permitiéramos que nuestras iglesias se convirtieran en platós para que novelas blasfemas puedan convertirse en películas mentirosas en nombre del negocio. Por su parte, el párroco Marco Fibbi, de la diócesis de Roma, dijo normalmente leemos el guión, pero en esta ocasión con el nombre de Dan Brown es más que suficiente.
El Vaticano también ha lamentado el hecho de que no puedan impedir que la película se ruede en los exteriores de San Pedro y sus alrededores, por lo que Ron Howrd y su equipo se limitarán a convertir el Palacio Real de Caserta, cerca de Nápoles, en el supuesto Vaticano.
Parece normal que la iglesia se posicione así, después de mostrar en «El Código da Vinci» cómo la iglesia miente y terjiversa los datos e intenta manipular la fe, claro está que la iglesia que no se iba a estar callada ante la posibilidad de que se vuelve a malmeter.
Es importante destacar que es sólo ficción. La gran mayoría de las películas son inventadas y muchas de ellas son desarrolladas a partir de una idea real o suceso. No veo el motivo de tanta polémica. Se han hecho varias películas sobre la religión musulmana y el maltrato llevado a cabo contra la mujer, y no se veta o se intenta vetar. El cine es libre aunque tiene que tener una serie de principios éticos y morales, debido a la gran influencia que posee. Son temas comprometidos pero no por ello no se van a transmitir.
En Nápoles todo el mundo lo llama El Sistema. Camorra sólo lo usan periodistas y policías. Desde que el escritor Roberto Saviano (Nápoles, 1979) titulara su libro Gomorra han pasado dos años, se han vendido más de 1,5 millones de ejemplares, se ha traducido a 30 idiomas y ahora Camorra y Gomorra son sinónimos.
El best seller-denuncia de Saviano, un primer libro impactante, duro, seco y muy documentado, todo menos una lectura fácil, le ha valido a su autor una fama poco agradable, porque los bosses lo tienen en el punto de mira y ahora vive con escolta. Pero el grito que cierra el libro -«¡malditos bastardos, todavía estoy vivo!»- y el coraje de su investigación sobre el imperio criminal globalizado levantado por la mafia napolitana, han cruzado ideologías, fronteras y géneros.
La ha dirigido Matteo Garrone, un cineasta romano de 39 años, y en el guión han participado seis personas, incluidos Garrone y Saviano, comandadas por otro escritor napolitano, Maurizio Braucci. Antes de su estreno, el film ha creado enorme expectación y algunos problemas. Las escenas de un asesinato camorrista fueron robadas con un teléfono móvil por unos jóvenes que asistían al rodaje en Nápoles, y luego fueron colgadas en YouTube. «La policía creyó que eran reales, abrió una investigación y me llamó a declarar», explica Garrone.
La película es «complementaria» al libro, no lo sigue al pie de la letra. «No damos nombres y apellidos, ni hablamos de tal o cual clan, no es una denuncia ni un reportaje. Simplemente, desarrollamos algunos temas universales, la amistad, la guerra, la muerte, la contaminación, contándolos desde dentro».
Sergi sánchez, periodista de la revista Fotogramas, la describe así: «Lo primero que llama la atención de la mirada de Matteo Garrone sobre la Camorra italiana es su empecinada obsesión por desglamourizarla. El territorio feudal de la mafia es una Italia desolada, un paisaje después de la batalla que parece tan lejos de la Europa del bienestar como cerca de las ruinas de una guerra que puede no acabar nunca. Viendo Gomorra se tiene la sensación de escuchar el último suspiro de unos cuantos muertos vivientes que aún no saben que lo son: el contable que reparte dinero entre los que tienen algún familiar en la cárcel, los chicos que vagabundean por los suburbios o los tipos que entierran residuos tóxicos ilegalmente son fantasmas que vagan erráticos por un purgatorio apocalíptico. Son marionetas cuyos hilos mueve un poder invisible pero omnipresente, que interconecta sus vidas en un mosaico desdramatizado, observado por Garrone con la austeridad necesaria para que el espectador pueda soportar la dureza de sus conclusiones. Gomorra es un estólido parte de guerra que no necesita dar lecciones de ética: solo mostrando los hechos, terroríficos en su elocuencia, te hiela la sangre.»
No es que Brad Pitt haya hecho películas malas, pero sí que es cierto que como en ésta no aparece en ninguna. Brad Pitt se consagra con este film como el actor número uno en el panorama mundial cinematográfico. Últimamente nos tiene entretenidos con sus apariciones en público con su mujer, Angelina Jolie, sus actos humanitarios y sus innumerables hijos. Pero la actuación en esta película es indescriptible.
La Claqueta de la Filmoteca 
