The Namesake, una vida indio-americana

The Namesake es una drama familiar que se acerca a un tipo muy diferente de familia contemporánea estadounidense: los Ganguli, que llegaron a los Estados Unidos procedentes de Calcuta, India, para poder experimentar un mundo de ilimitadas oportunidades, sólo para verse enfrentados a los riesgos y confusiones que trae consigo el intentar forjar una vida significante en una sociedad nueva desconcertante.

Inmediatamente después de su matrimonio concertado, Ashoke (Irrfan Khan) y Ashima (Tabu) vuelan desde la sofocante Calcuta a la invernal Nueva York, donde comienzan su nueva vida juntos. Siendo prácticamente extraños entre ellos y con Ashima ahora viviendo en una nueva y muy extraña tierra, su relación rápidamente toma un giro cuando Ashima da a luz a un niño. Con la presión de nombrarlo rápidamente, Ashoke se decide por Gogol, en honor al famoso autor ruso —un nombre que sirve de vínculo de un pasado secreto y, Ashoke espera, de un mejor futuro. Pero la vida no es fácil para Gogol, como sus padres desearían que fuera. Siendo un joven estadounidense de primera generación, Gogol (Kal Penn) deberá aprender a caminar sobre una delgada línea entre sus raíces bengalíes y sus derechos como americano en la búsqueda de su propia identidad. Conforme Gogol intenta forjar su propio destino —rechazando su nombre de pila, saliendo con una acaudalada niña estadounidense (Jacinda Barrett) y encaminado a estudiar arquitectura en la Universidad de Yale— sus padres se aferran a sus tradiciones bengalíes. Pero sus caminos se siguen cruzando con consecuencias reveladoras tanto cómicas como dolorosas… hasta que Gogol comienza a ver los vínculos entre el mundo que sus padres dejaron atrás y el nuevo mundo que yace frente a él.

Podemos observar como se realiza el choque cultural de Ashima Ganguli al llegar a los Estados Unidos y posteriormente el choque cultural de los hijos de la familia Ganguli al regresar a la tierra de sus padres. Así mismo veremos como las costumbres no son olvidadas, al contrario son mantenidas, a pesar de la lejanía de su país.

The Namesake, que abarca dos generaciones de la familia Ganguli, dos culturas discordantes y dos formas de vida diametralmente opuestas —que chocan entre ellas para entrelazarse afectuosamente— es a final de cuentas acerca de una pregunta apremiantemente superlativa: ¿qué significa ser una familia estadounidense?

The Namesake se basa en la novela The Namesake de Jhumpa Lahiri, adaptada a la pantalla grande por Sooni Taraporevala.

Película: The Namesake – El Buen Nombre
Estudio: Fox Searchlight Pictures
Director: Mira Nair

 Una película que refleja una posible situación de la inmigración, de los jóvenes criados en países no de origen y el amor. Siempre estará el amor desafiando a la vida… Y la muerte y el cariño. Todo un elenco de emociones que te harán reflexionar.

Jim Carrey presenta «Di que sí»

Jim Carrey está en España por primera vez con motivo de la presentación de la película ‘Di que sí’,  que se estrenará el 19 de diciembre en España; Una comedia dirigida por Peyton Reed, en la que da vida a un personaje mucho más normal que los que ha encarnado en otros de sus films. El actor afirmó durante una rueda de prensa en Madrid que a la hora de elegir un proyecto no piensa en los premios sino en agradar al público.

«Los premios no me motivan, es el público quien te mantiene en esta profesión», opinó Carrey, que ante la posibilidad de recibir algún día un Oscar señaló que eso sólo ocurre «cuando todos los astros se alían». «No pienso que merezca ganarlo, sólo pienso en que mi vida fluya como un banquete», afirmó el actor.

Carrey se encarna en la piel de Carl Allen, un empleado de banca, divorciado y resignado, que no le da oportunidades a la vida para ser feliz. Tras asistir a una reunión de un colectivo que dice ‘sí’ a la vida, liderado por un carismático gurú, decide empezar a ser positivo y a no volver a utilizar la palabra ‘no’. A partir de entonces su vida dará un giro: conocerá a una chica, Zoey Deschanel, conseguirá un ascenso en el trabajo y mejorará su relación con su mejor amigo y con la prometida de éste.

«Esta película tiene un poco de todo, desde la comedia muy física a partes en las que se ve a una persona normal», dijo Carrey, que en esta ocasión está «más real y menos desorbitado» que de costumbre. «La película tiene una parte muy loca y otra muy humana», agregó, sobre una cinta que «animará a las personas a ser más positivas».

«Si todo el mundo dijera sólo a dos cosas sí, iba a cambiar el mundo», bromeó Carrey, que en ‘Di que sí’, basada en la autobiografía del escritor de comedias inglés Danny Wallace, ha experimentado en sus carnes hacer puenting («no es algo que haría todos los días», apuntó), conducir una moto Ducati (Carrey es un entusiasta de las motos), tocar la guitarra o hablar casi perfectamente coreano («sería genial hablar muchos idiomas, pero no se me dan bien», reconoció).

Pese a estar basada en la vida de Wallace, el film rinde un pequeño tributo a la ciudad de Los Ángeles y se desarrolla en la parte menos conocida de la ciudad (en el libro ocurre en Londres). Entre los exteriores están el Elysian Park, el histórico Griffith Park Observatory, el Hollywood Bowl y el club Spaceland.

El director explicó que al trabajar con Carrey, quien anunció que está preparando un libro y además se interesa por la pintura, era consciente de «todas las locuras» que éste era capaz de hacer. Acostumbrado a la televisión, donde los rodajes son más rápidos y se improvisa más, Reed dijo que algo parecido ocurre al trabajar con Carrey. «Se le ocurren muchas ideas y hay que ser muy flexible, a veces es difícil seguirle el ritmo», afirmó, y bromeó al señalar que en el rodaje el actor permanecía «encerrado en una jaula» hasta que le tocaba hacer su papel.

Zoey Deschanel es quien da la réplica y comparte multitud de planos con Carrey en ‘Di que sí’. «Ha sido algo maravilloso y tan positivo», afirmó la actriz, que ha trabajo en películas como ‘El incidente’ o ‘Puente hacia Terabithia’. La actriz, que además demuestra en el film sus dotes como cantante, también reconoció que fue «bonito» decir «sí» a cosas que antes hubiera dicho «no», como a montar en moto.

Blade Runner edición coleccionista

Edición definitiva de la mítica cinta que cuenta con 5 discos y doblaje íntegro en castellano por primera vez en DVD, todo ello en un estuche metálico. Sólo en tiendas Fnac.

Sinopsis: En un futuro no muy lejano han alcanzado el conocimiento necesario para fabricar androides idénticos a los humanos en casi todo. Estos replicantes se utilizan como esclavos en las tareas más difíciles de las colonias estelares, y no se les permite vivir más de unos años determinados para evitar la rebelión de los mismos. Pues bien, a pesar de todo unos cuantos se rebelan porque quieren vivir sus propias vidas en libertad, porque no quieren que alguien les determine su edad como una fecha de caducidad, porque tienen sentimientos que no se saben controlar y porque quieren ser humanos. A un antiguo Blade Runner, Deckard, se la encarga la misión de ‘retirar’ a esos replicantes ‘enemigos’. Durante todo el tiempo que tarda en acabar con ellos su vida y visión de la realidad da un giro completo. Basada en la novela de Philip K. Dick y dirigida por Ridley Scott.

Idiomas:	Inglés sonido: dolby digital 5.1 Español sonido: dolby digital 5.1 Alemán sonido: dolby digital 5.1 Polaco sonido: estereo
Formato:	panorámica 16:9
Subtítulos:	Danés, Inglés, Finlandés, Alemán, Noruego, Polaco, Español y Sueco
Director:	Ridley Scott
Actores:	Harrison Ford y Sean Young

A pesar de tener el aspecto de una película de acción, Blade Runner contiene un número inusualmente amplio de niveles dramáticos. Como obra del género cyberpunk le debe mucho al cine negro, pues contiene y explora convenciones tales como la mujer fatal, la narración en primera persona y la cuestionable perspectiva moral del héroe — extendido aquí para incluir el lado humano del personaje, así como la cinematografía oscura y de sombras.

Es una de las películas de ciencia ficción mejor escritas en ambos temas — pues abarca temas como la filosofía de la religión y las implicaciones éticas que conlleva el dominio de la ingeniería genética, dentro del contexto del drama clásico griego y sus nociones del hibris. El mundo de Blade Runner representa un futuro cuya distancia ficticia de la actual realidad se ha reducido, mientras el 2019 se aproxima. La obra penetra en las implicaciones futuras de la tecnología en el ambiente y la sociedad, acercándose al pasado con el uso de la literatura, el simbolismo religioso, los temas dramáticos clásicos y el cine negro. Esta tensión entre pasado, presente y futuro es evidente en el futuro adaptado de Blade Runner, donde la alta tecnología resplandece en lugares, mientras que el resto es decadente y viejo.

Hay un alto nivel de paranoia presente en el film, con la manifestación visual del poder de las transnacionales, la policía omnipresente, las luces de las sondas; y en el poder sobre el individuo, representando particularmente por la programación genética de los replicantes. El control sobre el ambiente es observado a gran escala, pero también como cuando los animales son creados como meros artículos. Este contexto opresivo clarifica por qué muchas personas se van a las colonias exteriores, un paralelismo con la migración al continente americano.

My Blueberry Nights una peli de carretera

Película de carretera, de largo recorrido físico y emocional, en la que las áreas de servicio, las barras de bar y sus pobladores, están más presentes que el asfalto en sí, My blueberry nights contiene algunas de las esencias simbólicas que han caracterizado el cine del director hongkonés desde su debut.

Norah Jones y Wong Kar-Wai formaban, a priori, un tándem de difícil combinación. Una actriz debutante para el primer film americano (y rodado en inglés, idioma que no domina) del director de «Deseando amar». Pero el cóctel ya está listo para ser degustado (abrirá el Festival de Cannes) en forma de road movie romántica que sigue a una mujer (Jones) que viaja por América buscando el verdadero significado del amor. El trayecto la llevará a cruzarse con toda suerte de personajes.

El reparto está compuesto por Natalie Portman, Jude Law, Rachel Weisz, Tim Roth y David Strathairn, además de Norah Jones.

Alejandro G. Calvo, crítico de cine, lo define así: Un road movie que se desliza por estaciones estáticas, bien diferenciadas unas de otras, con la mirada siempre fija en el bar neoyorquino donde los imposibles amantes saborean la tarta de arándanos que da nombre a la obra. Una pieza desequilibrada, genuinamente americana –las referencias son transparentes: la ruta 66, Las Vegas, el árido oeste…–, tan estridente como epatante, vaya, puro Kar-wai. No todo el mundo posee la inteligencia de reinventarse de David Lynch o Paul Thomas Anderson, ni siquiera Wong, así que éste destila lo mejor de su cine y lo acumula en un palimpsesto referencial que, sí, puede llegar a hacer parecer que la película es un reflejo atrofiado de sí mismo, pero aún en ese barroco entramado plástico se encuentra la fuerza necesaria para poder disfrutar sin complejos del film.

Bolt, lo nuevo de Disney

Bolt, un pequeño perro estrella de una serie de televisión, se cree demasiado su papel de héroe… incluso cuando se ve empujado, por accidente, a sobrevivir en el mundo real. Con la ayuda de un gato y de un hámster, Bolt inicia la búsqueda de su amada Penny, su compañera de reparto en el show, lo que le lleva hasta las peligrosas calles de Nueva York.

Los perros y el cine de animación siempre han hecho buena pareja. En esta ocasión, un can se convierte en una estrella de una serie de acción… hasta que las cámaras dejan de rodar. Aventuras made in Disney para toda la familia.

Al frente del reparto, en la V.O., está John Travolta (en su primer papel como doblador de un largometraje, aunque ya había probado suerte en un film estrenado directamente en vídeo), que aportó mucho más que su voz al perro protagonista: los realizadores afirman que el carácter del actor se trasladó a su personaje, y su característica risa se incorporó a Bolt. Sus compañeros de micro fueron Miley Cyrus (la popularísima Hannah Montana televisiva) y

Malcolm McDowell (el recordado protagonista de La Naranja Mecánica), que, evidentemente, dobla al villano de la función.

 Tras los dibujos, Byron Howard y Chris Williams se estrenan como directores con este film, aunque el segundo tiene un cortometraje en su haber (Glago’s Guest) y el primero ha colaborado en los departamentos de animación del films como Pocahontas, Mulan o Chicken Little.

El 5 de diciembre ya llegó a los cines españoles Bolt y aún sigue en cartelera, ¿por algo será no?

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Penélope y Bardem… a por los Globos de Oro

Los españoles Javier Bardem y Penélope Cruz furon nombrados ayer candidatos para un Globo de Oro como mejor actor de comedia y menos actriz secundaria respectivamente. Todo ello por sus papeles en la película de Woody Allen: «Vicky Cristina Barcelona».

Parece que el cine español, en este caso, los actores españoles van aportando más a la cultura Hollywoodiense. No ha quedado para nadie indiferente las actuaciones de la pareja más prometedora del momento a lo que a éxitos se refiere.

Penélope Cruz competirá en la categoría de MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA contra Amy Adams y Viola Davis (La duda), Marisa Tomei (The Wtrestler) y Kate Winslet (El lector). Cruz, de 34 años, consigue así su segunda candidatura a un Globo de Oro después de debutar en estos premios como candidata a mejor actriz por «Volver» (2006), film del cineasta español Pedro Almodóvar.

Javier Bardem disputará el Globo de Oro de MEJOR ACTOR DE COMEDIA junto con Colin Farrell y Brendan Gleeson (Escondidos en Brujas), James Franco (Superfumados) y Dustin Hoffman (Last Chance Harvey). El actor español ya fue premiado el año pasado con un Globo de Oro por su papel en «No es país para viejos».

Pero ya hay películas favoritas y entre ellas no se encuentra «Vicky Cristina Barcelona». Tres películas, «El curioso caso de Benjamín Button», «El desafío: Frost contra Nixon» y «La duda», con cinco candidaturas cada una, se postulan como las grandes favoritas. Las dos primeras, dirigidas por David Fincher y Ron Howard, respectivamente, aspiran al galardón a la MEJOR PELÍCULA DE DRAMA.

Ángeles y Demonios, 19 de mayo 2009 en cines

Tom Hanks seguirá mostrándonos los misterios que guarda la iglesia católica en la ficción. El libro de Dan Brown se hace película de nuevo, al igual que «El Código Da Vinci».

«Ángeles y demonios» se inicia con el asesinato de un científico en un laboratorio de máxima seguridad, cuyo cadáver tiene un extraño símbolo grabado a fuego en su pecho. Para el profesor Robert Langdon no hay duda: los Illuminati, los hombres enfrentados a la Iglesia desde los tiempos de Galileo, han regresado. Y esta vez disponen de la más mortífera arma que ha creado la humanidad, un artefacto con el que pueden ganar la batalla final contra su eterno enemigo. Acompañado de una joven científica y un audaz capitán de la Guardia Suiza, Langdon comienza una carrera contra reloj, en una búsqueda desesperada por los rincones más secretos de El Vaticano. Necesitará todo su conocimiento para descifrar las claves ocultas que los Illuminati han dejado a través de los siglos en manuscritos y templos, y todo su coraje para vencer al despiadado asesino que siempre parece llevarle la delantera.

Parece ser que la iglesia puso trabas a la hora de rodar. Según palabras textuales del arzobispo Velasio De Paolis, jefe de la prefactura del Vaticano, «Ángeles y Demonios» no podrá rodarse ni en el Vaticano ni en ningúna otra iglesia de Roma ya que resulta una ofensa para Dios y hiere a los sentimientos religiosos comunes. También añadió que Dan Brown terjiversa las Escrituras para envenenar la fe. Sería inaceptable que permitiéramos que nuestras iglesias se convirtieran en platós para que novelas blasfemas puedan convertirse en películas mentirosas en nombre del negocio. Por su parte, el párroco Marco Fibbi, de la diócesis de Roma, dijo normalmente leemos el guión, pero en esta ocasión con el nombre de Dan Brown es más que suficiente.

El Vaticano también ha lamentado el hecho de que no puedan impedir que la película se ruede en los exteriores de San Pedro y sus alrededores, por lo que Ron Howrd y su equipo se limitarán a convertir el Palacio Real de Caserta, cerca de Nápoles, en el supuesto Vaticano.

Parece normal que la iglesia se posicione así, después de mostrar en «El Código da Vinci» cómo la iglesia miente y terjiversa los datos e intenta manipular la fe, claro está que la iglesia que no se iba a estar callada ante la posibilidad de que se vuelve a malmeter.

Es importante destacar que es sólo ficción. La gran mayoría de las películas son inventadas y muchas de ellas son desarrolladas a partir de una idea real o suceso. No veo el motivo de tanta polémica. Se han hecho varias películas sobre la religión musulmana y el maltrato llevado a cabo contra la mujer, y no se veta o se intenta vetar. El cine es libre aunque tiene que tener una serie de principios éticos y morales, debido a la gran influencia que posee. Son temas comprometidos pero no por ello no se van a transmitir.

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GOMORRA-CAMORRA

En Nápoles todo el mundo lo llama El Sistema. Camorra sólo lo usan periodistas y policías. Desde que el escritor Roberto Saviano (Nápoles, 1979) titulara su libro Gomorra han pasado dos años, se han vendido más de 1,5 millones de ejemplares, se ha traducido a 30 idiomas y ahora Camorra y Gomorra son sinónimos.

El best seller-denuncia de Saviano, un primer libro impactante, duro, seco y muy documentado, todo menos una lectura fácil, le ha valido a su autor una fama poco agradable, porque los bosses lo tienen en el punto de mira y ahora vive con escolta. Pero el grito que cierra el libro -«¡malditos bastardos, todavía estoy vivo!»- y el coraje de su investigación sobre el imperio criminal globalizado levantado por la mafia napolitana, han cruzado ideologías, fronteras y géneros.

La ha dirigido Matteo Garrone, un cineasta romano de 39 años, y en el guión han participado seis personas, incluidos Garrone y Saviano, comandadas por otro escritor napolitano, Maurizio Braucci. Antes de su estreno, el film ha creado enorme expectación y algunos problemas. Las escenas de un asesinato camorrista fueron robadas con un teléfono móvil por unos jóvenes que asistían al rodaje en Nápoles, y luego fueron colgadas en YouTube. «La policía creyó que eran reales, abrió una investigación y me llamó a declarar», explica Garrone.

La película es «complementaria» al libro, no lo sigue al pie de la letra. «No damos nombres y apellidos, ni hablamos de tal o cual clan, no es una denuncia ni un reportaje. Simplemente, desarrollamos algunos temas universales, la amistad, la guerra, la muerte, la contaminación, contándolos desde dentro».

Sergi sánchez, periodista de la revista Fotogramas, la describe así: «Lo primero que llama la atención de la mirada de Matteo Garrone sobre la Camorra italiana es su empecinada obsesión por desglamourizarla. El territorio feudal de la mafia es una Italia desolada, un paisaje después de la batalla que parece tan lejos de la Europa del bienestar como cerca de las ruinas de una guerra que puede no acabar nunca. Viendo Gomorra se tiene la sensación de escuchar el último suspiro de unos cuantos muertos vivientes que aún no saben que lo son: el contable que reparte dinero entre los que tienen algún familiar en la cárcel, los chicos que vagabundean por los suburbios o los tipos que entierran residuos tóxicos ilegalmente son fantasmas que vagan erráticos por un purgatorio apocalíptico. Son marionetas cuyos hilos mueve un poder invisible pero omnipresente, que interconecta sus vidas en un mosaico desdramatizado, observado por Garrone con la austeridad necesaria para que el espectador pueda soportar la dureza de sus conclusiones. Gomorra es un estólido parte de guerra que no necesita dar lecciones de ética: solo mostrando los hechos, terroríficos en su elocuencia, te hiela la sangre.»

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Daniel Craig, el mejor James Bond

Daniel Craig parece consolidarse definitivamente en su rol de agente 007. En la anterior entrega chocaba ver a un actor casi desconocido, pero ya en Quantum of Solace es un ritual verle.

A principios de febrero del 2005, Craig fue nombrado por los medios como un posible candidato para reemplazar a Pierce Brosnan como James Bond. El 6 de abril del 2005 se informó que Craig había firmado con Producciones EON un contrato de tres películas con un valor de 15 millones de libras, sin embargo, esta noticia fue luego refutada por la BBC quienes contactaron a EON para un informe oficial. De acuerdo con Craig, la MGM le ofreció el rol pero la familia Broccoli nunca lo contactó. Finalmente, el 14 de octubre del 2005, Producciones EON nombró a Daniel Craig como el sexto actor en interpretar a 007, reemplazando a Pierce Brosnan. Craig firmó un contrato de tres películas. La primera fue Casino Royale, estrenada mundialmente el 17 de noviembre del 2006.

Craig, de 38 años y además, el primer agente 007 rubio, ha logrado desafiar a los críticos y fanáticos más tradicionales de Bond que le consideraban un tanto tosco para el personaje, y consiguió ser elogiado por su rol protagónico en Casino Royale. Comparado con el estilo clásico de sus antecesores, Craig se muestra mucho más natural, no es el James Bond más guapo pero sí de los más atractivos, pues los anteriores eran mucho más elitistas y las situaciones que se daban eran más fantásticas. Ha sido el James Bond que más ha conseguido pegarse a la piel del agente 007, pues muchas de las escenas de acción que requieren muchísimo esfuerzo y dedicación, que son casi siempre interpretadas por especialistas, son realizadas por el propio Daniel Craig.

Quantum of Solace trata el tema de las mafias de Sudamérica que operan con el consentimiento de los servicios de inteligencia estadounidenses, hecho muy en boga y que, afortunadamente para nosotros, cada día se nos informa sobre ello aunque sin poner remedio.

Hay que puntualizar que estos dos últimos films de James Bond han sido y son de los más espectaculares a lo que inteligencia y riesgo se refiere. Este agente es mucho más suspicaz; más preparado físicamente, pues en esta última entrega conduce coche, moto, avión y barco; más carismático y más caballero, aunque el adjetivo de golfo no se lo quita nadie. Lo que sí se nos ha mostrado es a un hombre dolido por amor. Un 007 de carne y hueso que no sólo viste de etiqueta y acude a fiestas fastuosas. Un hombre que juega bien sus cartas y actúa como bien puede ante las adversidades que se le van poniendo en el camino. Un agente que improvisa como el que más, hecho que le convierte en un héroe más humano. Esperamos que Craig siga sorprendiéndonos con muchas entregas más y que obtenga el reconocimiento que se merece.

El análisis de «El Show de Truman»

 

El Show de Truman no es una película dramática-cómica más. Tiene algo que cada vez se hecha más de menos en las superproducciones de Hollywood. Tiene un trasfondo filosófico en el que se muestra una sociedad manipulada como la nuestra. La información que nos llega cada día a través de la televisión, la radio, el periódico o Internet (este en menos medida) ha pasado primero por el tamiz de las grandes compañías multimedia, por eso, como pasa en la película, debemos tomar una actitud crítica y escéptica ante las informaciones que nos vienen dadas. Por tanto, ver El Show de Truman es una buena manera de despertar del letargo del Pan y Circo.
 

En la película, Jim Carrey interpreta a Truman Burbank, el elegido para ser estrella de un reality show. Truman está encerrado en unos grandes estudios de televisión, una ciudad creada para él, en la que ha nacido y vive para deleite de la audiencia. Es la vida en directo. Ed Harris es Christof, el “dios creador” de todo ese show, un dios caprichoso y egoísta, que antepone su lucro al propio bienestar de su creación, como se ve al final de la película donde Christof pone al límite a Truman, sin importarle lo más mínimo que pueda llegar a morir por ello.
 

Aunque aparentemente el malo de la película es Christof, no debemos olvidar el elemento necesario sin el que no sería posible “El Show de Truman”, la audiencia. La película nos muestra a una audiencia morbosa y fácilmente manipulable por los productos televisivos, y es esa audiencia la auténtica protagonista, que pese a conocer que el pobre Truman vive en una gran farsa, siguen premiando a los productores con una impresionante cuota de share.
 

Truman vive en la auténtica mentira, donde sus padres, su mujer, su mejor amigo y sus vecinos no son más que actores. Todo un elenco de actores para hacer la vida de Truman un reclamo para la audiencia y embolsarse cantidades ingentes de dinero.
 

Las fases por las que atraviesa Truman en la película son las de una persona que madura en la vida. Primeramente, Truman es feliz en su mundo de juguete, hasta que empieza a cuestionarse todo lo que le rodea. Primero por los fallos de los actores, pero sobre todo por la chica que conoce en el instituto. Es ella quien, en un momento dado, le abre los ojos y le incita a replantearse el rumbo de su existencia. Ella es quien le dice a Truman que lo que está viviendo no es real. Es como el mito de Adán y Eva perdiendo su inocencia.
 

Un punto a tratar aparte es el de la publicidad. Como El Show de Truman no tiene pausas publicitarias se utiliza un recurso muy en boga actualmente como es el product placement. De esta manera, Truman no sólo vive una mentira, sino que vive en un anuncio.  Además, de una forma descarada, los actores hacen constantemente guiños a la audiencia hablando de las bondades del producto a anunciar en cuestión, dándole más importancia a eso que al diálogo que mantienen con Truman. Sobre esto merece mención especial cómo la mujer de Truman ‘vende’ unos utensilios de cocina o el amigo las cervezas.
 

Dicho esto, no deja de sorprender que esta película use el argumento de la manipulación de los medios para manipularnos a nosotros. Es decir, es el pez que se muerde la cola. Nos avisa de que existe una manipulación de todo lo que vemos en los programas de televisión y eso es lo que nos provoca interés para seguir viendo esa manipulación. Es la crítica a la televisión como una máscara que nos muestra una vida bonita, llena de aventuras por resolver con pequeños problemas pero no demasiados. Pero detrás de eso existe una dura realidad de la que somos conscientes pero que no aceptamos e intentamos evadirnos a través del ocio y la diversión. Es lo que sucede en los parques temáticos de Disney. Buscamos la evasión en un mundo infantil, sin problemas y Disney nos lo ofrece pero realmente como herramienta de control social. Otros libros, películas y programas de televisión al igual que El Show de Truman, llevan este mensaje al público. Es el caso de los libros: “The Machine Stops” de M. Foster, “The Futurological Congress” de Stanislaw Lem y “The city and The Stars” de Arthur C. Clarke; las películas: “Logan´s Run” y “La Isla”; y programas de televisión como “Gran Hermano” y “The Cage”.
 

No es un tema nuevo a tratar, pero sí la primera vez que se muestra de manera más clara la manipulación no tanto al propio Truman como al público que ve el show.

«Crepúsculo» lo nuevo en vampiros

Llegan los vampiros de hoy en día. Ya no son dráculas, ni zombis; son guapos, inteligentes, físicamente perfectos y no envejecen. Es el nuevo film de Catherine Hardwicke.

«Crepúsculo» (Twilight) es una película de vampiros dirigida por Catherine Hardwicke y está basada en la exitosa novela del mismo nombre, escrita por Stephenie Meyer, también conocida como «La Anne Rice de los Adolescentes» debido a su habilidad al narrar historias de vampiros. La producción comenzó en febrero de 2008 y que ya se ha estrenado el 21 de noviembre en EE.UU. y el 5 de diciembre se estrenará en España.

Bella Swan (Kristen Stewart) siempre ha sido diferente a los demás. Cuando su madre se casa por segunda vez, decide marcharse a vivir con su padre a un recóndito y lluvioso pueblo llamado Forks. Aquí conoce el misterioso Edward Cullen (Robert Pattinson). Inteligente e ingenioso, Edward consigue atraer la atención de Bella y muy pronto entablan una estrecha amistad. Con el tiempo, Bella termina por descubrir el gran secreto de Edward: él y su familia son vampiros. No envejecen, no tienen colmillos y son físicamente perfectos.

Si vivieras para siempre ¿por qué morirías?

Se veía venir. La película «Crepúsculo», adaptación cinematográfica de la novela del mismo título que ha arrasado en ventas en todo el mundo, ha entrado en el primer puesto de la taquilla estadounidense el fin de semana de su estreno. La cinta ha recaudado 70,5 millones de dólares, a gran distacia de la segunda, «Quantum of Solace», que consiguió 27,4 millones (ya lleva acumulados en dos semanas 109,4 millones de dólares).

El cineasta Baz Luhrmann estrena «Australia»

El director australiano Baz Luhrmann ha estrenado en Sidney su nueva película, «Australia», sólo 48 horas después de seleccionar el final del guión de este drama entre las siete versiones distintas que había rodado.

La policía cerró al tráfico la calle George, una de las arterias principales de la ciudad, para dar cabida a los miles de aficionados que aguardaban a los actores Hugh Jackman y Nicole Kidman, así como al elenco de artistas locales, entre los que destacan David Gulpilil, Bryan Brown, Jack Thompson, David Wenham, Barry Otto, Bill Hunter y John Jarrett.

Los 3000 invitados que asistieron al estreno en Sidney y otro par de centenares con entradas para los pases que se realizaron en los principales puntos de Australia donde se realizó el rodaje, la ciudad de Darwin, el pequeño pueblo de Bowen y la remota localidad de Kununurra, fueron los primeros que vieron la película.

Jackman y Kidman la vieron por primera vez, según explicó el actor en una multitudinaria rueda de prensa celebrada en el Museo de Arte Contemporáneo, poco antes de caminar por la alfombra roja extendida en la céntrica calle de Sídney. «Es una película que sólo pasa una vez en la vida», dijo Kidman, quien matizó que para ella el estreno «es una celebración» que espera compartir con todo el país.

Luhrmann explicó que el montaje de la película interpretada por las dos estrellas de Hollywood terminó 48 horas antes de su estreno mundial. «Teníamos seis finales, el definitivo nos encontró a nosotros», dijo el director de largometrajes como «Moulin Rouge», hasta ahora su mayor éxito cinematográfico.

Kidman no descartó dejar durante una temporada el cine para dedicar más tiempo a su familia e incluso ampliarla. «He tenido muchas oportunidades. Puede que ahora escoja tener más hijos. Hay muchas cosas que quiero hacer aparte de actuar», reveló la actriz. En la superproducción, ella encarna a una aristócrata británica que viaja a Australia tras heredar una explotación ganadera que pretenden adquirir unos poderosos colonos, a comienzos de la Segunda Guerra Mundial. Su personaje contrata a un ranchero encarnado por Jackman con el que vivirá un apasionado romance. La actriz bromeó sobre el rodaje de las escenas de amor al decir que le supusieron «un buen día de trabajo». Kidman agradeció a Luhrmann que escogiera rodar la película en Australia «con un reparto australiano».

El director de «Australia», por su parte, admitió la «presión» que ha sentido tras nueve meses de rodaje, otros tantos de trabajos ligados a la producción, y gastar unos 130 millones de dólares (unos 103 millones de euros) en la película, incluidos los 40 millones (unos 31,7 millones de euros) aportados por el departamento de Turismo del país.

Felicidades por tu 80 cumpleaños Mickey Mouse

Mickey Mouse celebra su cumpleaños. La factoría Disney lo creó hace hoy 80 años, y como si le hubiesen congelado, el roedor no presenta ni una arruga ni una cana. Llegó a la gran pantalla en blanco y negro. Sustituía a un conejo, de nombre Oswald, y se imponía a un caballo, un perro, un gato, una rana y una vaca. Disney le llamó Mortimer, pero gracias a su mujer cambió de nombre.Desde entonces, todo han sido éxitos.

Como ocurre con la mayoría de los personajes que han dejado huella, la historia del ratón Mickey Mouse es una historia plagada de leyendas y rumores, que han convertido a este famoso roedor, de enormes orejas redondas y zapatos de payaso, en el buque insignia de la factoría Disney, una empresa de entretenimiento y animación cuyo valor estimado es de más de 2.000 millones de euros.

Este año, el ratón más conocido del mundo celebra su ochenta aniversario y han sido muchas las celebraciones que se han organizado en su honor y los artículos que se han publicado recordando sus orígenes. Además, más de 12 millones de entradas en el buscador Google dan idea de la importancia que este personaje animado ha tenido y tiene en el mundo de la animación.

Aunque hay teorías para todos los gustos, la mayoría coincide en que la historia de Mickey Mouse comenzó en un tren que hacía el recorrido entre California y Nueva York. En uno de sus vagones, el joven creador de dibujos animados Walter Elias Disney decidió que era el momento de crear un personaje animado que sustituyera a su primer gran éxito, Oswald, un conejo de la suerte, que él había creado junto con su amigo y dibujante Ub Iwerks.

En 1927, una serie de problemas legales privaron a Disney de los derechos de autor de este primer gran éxito y provocaron que el productor  se pusiera a pensar en nuevos proyectos. Esa fue la principal razón que motivó que, en ese vagón de tren, naciera el ratoncito Mortimer, que, posteriormente, fue rebautizado por la esposa de Disney con el nombre de Mickey.

Y a partir de ahí la leyenda comenzó a extenderse. Mickey fue, por ejemplo, el primer dibujo animado que tuvo la facultad de hablar. De hecho, durante muchos años, fue el propio Walt Disney quien se encargó de su doblaje. Y fue esta facultad, impropia en un animal, junto a su espíritu servicial, lo que propició que se convirtiera en el ratón más famoso del mundo. Tan conocido que se asegura que, en la Segunda Guerra Mundial, en el famoso Día D, los aliados utilizaron como clave en el desembarco de Normandía la palabra «Mickey Mouse».

 

 Y es que, ochenta años después de su creación, Mickey es el personaje preferido de la factoría Disney y su auténtico talismán.

«El Greco» se estrenará el 21 noviembre

El madrileño cine Capitol fue el escenario del preestreno de la producción hispano-griega «El Greco», una cinta sobre la vida del pintor Domenicos Theotokopoulos que se estrena en nuestros cines el próximo día 21 de noviembre. Entre los muchos invitados estuvo la reina Sofia, que posó con el equipo de la película.

La vida de Domenikos Theotokopoulos, universalmente conocido como El Greco (1541-1614), fue novelada por el escritor griego Dimitris Siatopoulos en su libro «El pintor de Dios». El director Iannis Smaragdis, también griego, y el coproductor español Raimon Masllorens han perseverado durante siete años hasta que la adaptación al cine de la novela se ha convertido en un proyecto real.

Los protagonistas de «El Greco» son el actor bonaerense Juan Diego Botto, en el papel del inquisidor general Niño de Guevara y el británico Nick Ashdon, como el Greco.

La banda musical está compuesta, sin cobrar por ello, Vangelis, que ganó el Oscar con «Carros de fuego» (1981), y fue el compositor de la música de «Blade Runner» (1982).

Coescrita por el propio Smaragdis y Jackie Pavlenko, «El Greco» narra la historia del artista y constante luchador por la libertad . Situada en los siglos XVI y XVII, la búsqueda de El Greco en pos de libertad y amor transcurre desde las cortes de Creta y Venecia hasta la española Toledo, donde topa con su mayor adversario: la Santa Inquisición. Niño de Guevara es un sacerdote que conoce a El Greco en Italia y que luego le persigue en España y se transforma en su mayor enemigo.

El Greco fue uno de los artistas más destacados del Barroco. Formado en la escuela de Venecia, desarrolló un estilo inclasificable que asombró a sus contemporáneos y fascinó a sus colegas del siglo XX, que lo reconocieron como un precursor de movimientos vanguardistas como el Expresionismo (por la deformación tortuosa de las anatomías) y del Cubismo.

“Quería hacer esta película sobre El Greco, porque como él, nací en Heraklion (isla griega de Creta), a trescientos metros de su casa”, dice emocionado el director heleno.

“Sin los españoles no se podía haber hecho la película. Tengo la suerte inmensa de tener socios españoles debido a que es una gran producción y no podía haber sido hecha sólo con dinero griego”, dice Smaragdis. Continúa diciendo que se trata de la mayor producción con capital griego, pues su presupuesto de seis millones de euros, es el “equivalente a diez películas financiadas por el Centro de Cine heleno”. De este dinero, el 60 por ciento proviene de Grecia y el resto de España y de Hungría. El director agrega que “la coproducción ayudará tanto al cine español como el griego. Mostrará facetas de los dos países que son muy útiles”.

El joven protagonista británico Nick Ashdon, por su parte confiesa que “es la experiencia más impresionante de mi vida. Uno de los aspectos más importantes de interpretar la parte de El Greco es que lo vemos como un genio y una figura histórica que hizo cosas maravillosas. Pero es un ser humano”.

La bella Jerónima de las Cuevas, compañera y madre del hijo de El Greco, es interpretada por Laia Marull («Te doy mis ojos»), que opina que “la relación entre ellos es fuera de lo convencional” y que “es un reto interpretar a este personaje que tuvo que romper con la sociedad y con muchas cosas dentro de ella misma”.

La decoración de los platós se ha hecho con muebles traídos directamente desde España y más de quinientas copias de obras de El Greco, pintadas por tres copistas griegos. La directora del vestuario, la española Lala Huete, traslada al público a los siglos XVI y XVII con un millar de trajes exquisitos, de realización española, y accesorios de la época.

Parte del rodaje se ha hecho en Creta y después de Markópulo, continúa en la isla griega de Rodas, para seguir en Verona (Italia) y luego Toledo y Barcelona. A treinta kilómetros de Atenas se ha improvisado un estudio en lo que fueron las instalaciones de tiro al blanco en los Juegos Olímpicos de 2004.

El arte, propiamente dicho, llegará a la gran pantalla ya mismo, el 21 de noviembre.

«Nacidas para sufrir» de Albadalejo con Adriana Ozores

El director de películas como «La primera noche de mi vida», «El cielo abierto» o «Rencor», presentó el rodaje como una comedia que gira entorno al papel de las mujeres como protagonistas de grandes dramas.

En un claro guiño al humor negro y costumbrista de las comedias españolas de mediados del siglo pasado, se ha reunido a un buen número de actrices españolas, quienes, a través de sus personajes. Adriana Ozores repite con Albaladejo (acaba de anunciar que abandona la serie Los hombres de Paco), y se suman al reparto Petra Martínez, Malena Alterio, Marta Fernández-Muro, María Alfonsa Rosso, María Elena Flores o Shena Mistri.

«Nacidas pra sufrir» es una producción conjunta de Tornasol Films y Castafiore Films con un presupuesto de 2,5 millones de euros. El rodaje tiene lugar en los platós de la Ciudad de la Luz y los exteriores también se rodaran en diferentes municipios de la Comunidad Valenciana como Bocairent, Alcoy, Orihuela o Moncada.

Cómo lograr una sonrisa con el sufrimiento ajeno y dónde está el límite del sacrificio social cuando éste es real o es pura apariencia son dos de las preguntas que, en tono de comedia, plantea y responde el director Miguel Abaladejo en su última película: ‘Nacidas para sufrir’.

Adriana Ozores, quien ha manifestado que en algunas escenas se ha acogido a las interpretaciones que su padre, José Luis Ozores, realizó en numerosas comedias, ha subrayado el hecho de que esta película se acerque a un grupo de «mujeres mayores, donde hay amor sin sexo y donde no hay preocupación por la belleza».