GOMORRA-CAMORRA

En Nápoles todo el mundo lo llama El Sistema. Camorra sólo lo usan periodistas y policías. Desde que el escritor Roberto Saviano (Nápoles, 1979) titulara su libro Gomorra han pasado dos años, se han vendido más de 1,5 millones de ejemplares, se ha traducido a 30 idiomas y ahora Camorra y Gomorra son sinónimos.

El best seller-denuncia de Saviano, un primer libro impactante, duro, seco y muy documentado, todo menos una lectura fácil, le ha valido a su autor una fama poco agradable, porque los bosses lo tienen en el punto de mira y ahora vive con escolta. Pero el grito que cierra el libro -”¡malditos bastardos, todavía estoy vivo!”- y el coraje de su investigación sobre el imperio criminal globalizado levantado por la mafia napolitana, han cruzado ideologías, fronteras y géneros.

La ha dirigido Matteo Garrone, un cineasta romano de 39 años, y en el guión han participado seis personas, incluidos Garrone y Saviano, comandadas por otro escritor napolitano, Maurizio Braucci. Antes de su estreno, el film ha creado enorme expectación y algunos problemas. Las escenas de un asesinato camorrista fueron robadas con un teléfono móvil por unos jóvenes que asistían al rodaje en Nápoles, y luego fueron colgadas en YouTube. “La policía creyó que eran reales, abrió una investigación y me llamó a declarar”, explica Garrone.

La película es “complementaria” al libro, no lo sigue al pie de la letra. “No damos nombres y apellidos, ni hablamos de tal o cual clan, no es una denuncia ni un reportaje. Simplemente, desarrollamos algunos temas universales, la amistad, la guerra, la muerte, la contaminación, contándolos desde dentro”.

Sergi sánchez, periodista de la revista Fotogramas, la describe así: “Lo primero que llama la atención de la mirada de Matteo Garrone sobre la Camorra italiana es su empecinada obsesión por desglamourizarla. El territorio feudal de la mafia es una Italia desolada, un paisaje después de la batalla que parece tan lejos de la Europa del bienestar como cerca de las ruinas de una guerra que puede no acabar nunca. Viendo Gomorra se tiene la sensación de escuchar el último suspiro de unos cuantos muertos vivientes que aún no saben que lo son: el contable que reparte dinero entre los que tienen algún familiar en la cárcel, los chicos que vagabundean por los suburbios o los tipos que entierran residuos tóxicos ilegalmente son fantasmas que vagan erráticos por un purgatorio apocalíptico. Son marionetas cuyos hilos mueve un poder invisible pero omnipresente, que interconecta sus vidas en un mosaico desdramatizado, observado por Garrone con la austeridad necesaria para que el espectador pueda soportar la dureza de sus conclusiones. Gomorra es un estólido parte de guerra que no necesita dar lecciones de ética: solo mostrando los hechos, terroríficos en su elocuencia, te hiela la sangre.”

Si no quieres esperar a ver la película, compra el libro en El Corte Inglés por sólo 7,95€

Daniel Craig, el mejor James Bond

Daniel Craig parece consolidarse definitivamente en su rol de agente 007. En la anterior entrega chocaba ver a un actor casi desconocido, pero ya en Quantum of Solace es un ritual verle.

A principios de febrero del 2005, Craig fue nombrado por los medios como un posible candidato para reemplazar a Pierce Brosnan como James Bond. El 6 de abril del 2005 se informó que Craig había firmado con Producciones EON un contrato de tres películas con un valor de 15 millones de libras, sin embargo, esta noticia fue luego refutada por la BBC quienes contactaron a EON para un informe oficial. De acuerdo con Craig, la MGM le ofreció el rol pero la familia Broccoli nunca lo contactó. Finalmente, el 14 de octubre del 2005, Producciones EON nombró a Daniel Craig como el sexto actor en interpretar a 007, reemplazando a Pierce Brosnan. Craig firmó un contrato de tres películas. La primera fue Casino Royale, estrenada mundialmente el 17 de noviembre del 2006.

Craig, de 38 años y además, el primer agente 007 rubio, ha logrado desafiar a los críticos y fanáticos más tradicionales de Bond que le consideraban un tanto tosco para el personaje, y consiguió ser elogiado por su rol protagónico en Casino Royale. Comparado con el estilo clásico de sus antecesores, Craig se muestra mucho más natural, no es el James Bond más guapo pero sí de los más atractivos, pues los anteriores eran mucho más elitistas y las situaciones que se daban eran más fantásticas. Ha sido el James Bond que más ha conseguido pegarse a la piel del agente 007, pues muchas de las escenas de acción que requieren muchísimo esfuerzo y dedicación, que son casi siempre interpretadas por especialistas, son realizadas por el propio Daniel Craig.

Quantum of Solace trata el tema de las mafias de Sudamérica que operan con el consentimiento de los servicios de inteligencia estadounidenses, hecho muy en boga y que, afortunadamente para nosotros, cada día se nos informa sobre ello aunque sin poner remedio.

Hay que puntualizar que estos dos últimos films de James Bond han sido y son de los más espectaculares a lo que inteligencia y riesgo se refiere. Este agente es mucho más suspicaz; más preparado físicamente, pues en esta última entrega conduce coche, moto, avión y barco; más carismático y más caballero, aunque el adjetivo de golfo no se lo quita nadie. Lo que sí se nos ha mostrado es a un hombre dolido por amor. Un 007 de carne y hueso que no sólo viste de etiqueta y acude a fiestas fastuosas. Un hombre que juega bien sus cartas y actúa como bien puede ante las adversidades que se le van poniendo en el camino. Un agente que improvisa como el que más, hecho que le convierte en un héroe más humano. Esperamos que Craig siga sorprendiéndonos con muchas entregas más y que obtenga el reconocimiento que se merece.

“Crepúsculo” lo nuevo en vampiros

Llegan los vampiros de hoy en día. Ya no son dráculas, ni zombis; son guapos, inteligentes, físicamente perfectos y no envejecen. Es el nuevo film de Catherine Hardwicke.

“Crepúsculo” (Twilight) es una película de vampiros dirigida por Catherine Hardwicke y está basada en la exitosa novela del mismo nombre, escrita por Stephenie Meyer, también conocida como “La Anne Rice de los Adolescentes” debido a su habilidad al narrar historias de vampiros. La producción comenzó en febrero de 2008 y que ya se ha estrenado el 21 de noviembre en EE.UU. y el 5 de diciembre se estrenará en España.

Bella Swan (Kristen Stewart) siempre ha sido diferente a los demás. Cuando su madre se casa por segunda vez, decide marcharse a vivir con su padre a un recóndito y lluvioso pueblo llamado Forks. Aquí conoce el misterioso Edward Cullen (Robert Pattinson). Inteligente e ingenioso, Edward consigue atraer la atención de Bella y muy pronto entablan una estrecha amistad. Con el tiempo, Bella termina por descubrir el gran secreto de Edward: él y su familia son vampiros. No envejecen, no tienen colmillos y son físicamente perfectos.

Si vivieras para siempre ¿por qué morirías?

Se veía venir. La película “Crepúsculo”, adaptación cinematográfica de la novela del mismo título que ha arrasado en ventas en todo el mundo, ha entrado en el primer puesto de la taquilla estadounidense el fin de semana de su estreno. La cinta ha recaudado 70,5 millones de dólares, a gran distacia de la segunda, “Quantum of Solace”, que consiguió 27,4 millones (ya lleva acumulados en dos semanas 109,4 millones de dólares).

El cineasta Baz Luhrmann estrena “Australia”

El director australiano Baz Luhrmann ha estrenado en Sidney su nueva película, “Australia”, sólo 48 horas después de seleccionar el final del guión de este drama entre las siete versiones distintas que había rodado.

La policía cerró al tráfico la calle George, una de las arterias principales de la ciudad, para dar cabida a los miles de aficionados que aguardaban a los actores Hugh Jackman y Nicole Kidman, así como al elenco de artistas locales, entre los que destacan David Gulpilil, Bryan Brown, Jack Thompson, David Wenham, Barry Otto, Bill Hunter y John Jarrett.

Los 3000 invitados que asistieron al estreno en Sidney y otro par de centenares con entradas para los pases que se realizaron en los principales puntos de Australia donde se realizó el rodaje, la ciudad de Darwin, el pequeño pueblo de Bowen y la remota localidad de Kununurra, fueron los primeros que vieron la película.

Jackman y Kidman la vieron por primera vez, según explicó el actor en una multitudinaria rueda de prensa celebrada en el Museo de Arte Contemporáneo, poco antes de caminar por la alfombra roja extendida en la céntrica calle de Sídney. “Es una película que sólo pasa una vez en la vida”, dijo Kidman, quien matizó que para ella el estreno “es una celebración” que espera compartir con todo el país.

Luhrmann explicó que el montaje de la película interpretada por las dos estrellas de Hollywood terminó 48 horas antes de su estreno mundial. “Teníamos seis finales, el definitivo nos encontró a nosotros”, dijo el director de largometrajes como “Moulin Rouge”, hasta ahora su mayor éxito cinematográfico.

Kidman no descartó dejar durante una temporada el cine para dedicar más tiempo a su familia e incluso ampliarla. “He tenido muchas oportunidades. Puede que ahora escoja tener más hijos. Hay muchas cosas que quiero hacer aparte de actuar”, reveló la actriz. En la superproducción, ella encarna a una aristócrata británica que viaja a Australia tras heredar una explotación ganadera que pretenden adquirir unos poderosos colonos, a comienzos de la Segunda Guerra Mundial. Su personaje contrata a un ranchero encarnado por Jackman con el que vivirá un apasionado romance. La actriz bromeó sobre el rodaje de las escenas de amor al decir que le supusieron “un buen día de trabajo”. Kidman agradeció a Luhrmann que escogiera rodar la película en Australia “con un reparto australiano”.

El director de “Australia”, por su parte, admitió la “presión” que ha sentido tras nueve meses de rodaje, otros tantos de trabajos ligados a la producción, y gastar unos 130 millones de dólares (unos 103 millones de euros) en la película, incluidos los 40 millones (unos 31,7 millones de euros) aportados por el departamento de Turismo del país.

“El Greco” se estrenará el 21 noviembre

El madrileño cine Capitol fue el escenario del preestreno de la producción hispano-griega “El Greco”, una cinta sobre la vida del pintor Domenicos Theotokopoulos que se estrena en nuestros cines el próximo día 21 de noviembre. Entre los muchos invitados estuvo la reina Sofia, que posó con el equipo de la película.

La vida de Domenikos Theotokopoulos, universalmente conocido como El Greco (1541-1614), fue novelada por el escritor griego Dimitris Siatopoulos en su libro “El pintor de Dios”. El director Iannis Smaragdis, también griego, y el coproductor español Raimon Masllorens han perseverado durante siete años hasta que la adaptación al cine de la novela se ha convertido en un proyecto real.

Los protagonistas de “El Greco” son el actor bonaerense Juan Diego Botto, en el papel del inquisidor general Niño de Guevara y el británico Nick Ashdon, como el Greco.

La banda musical está compuesta, sin cobrar por ello, Vangelis, que ganó el Oscar con “Carros de fuego” (1981), y fue el compositor de la música de “Blade Runner” (1982).

Coescrita por el propio Smaragdis y Jackie Pavlenko, “El Greco” narra la historia del artista y constante luchador por la libertad . Situada en los siglos XVI y XVII, la búsqueda de El Greco en pos de libertad y amor transcurre desde las cortes de Creta y Venecia hasta la española Toledo, donde topa con su mayor adversario: la Santa Inquisición. Niño de Guevara es un sacerdote que conoce a El Greco en Italia y que luego le persigue en España y se transforma en su mayor enemigo.

El Greco fue uno de los artistas más destacados del Barroco. Formado en la escuela de Venecia, desarrolló un estilo inclasificable que asombró a sus contemporáneos y fascinó a sus colegas del siglo XX, que lo reconocieron como un precursor de movimientos vanguardistas como el Expresionismo (por la deformación tortuosa de las anatomías) y del Cubismo.

“Quería hacer esta película sobre El Greco, porque como él, nací en Heraklion (isla griega de Creta), a trescientos metros de su casa”, dice emocionado el director heleno.

“Sin los españoles no se podía haber hecho la película. Tengo la suerte inmensa de tener socios españoles debido a que es una gran producción y no podía haber sido hecha sólo con dinero griego”, dice Smaragdis. Continúa diciendo que se trata de la mayor producción con capital griego, pues su presupuesto de seis millones de euros, es el “equivalente a diez películas financiadas por el Centro de Cine heleno”. De este dinero, el 60 por ciento proviene de Grecia y el resto de España y de Hungría. El director agrega que “la coproducción ayudará tanto al cine español como el griego. Mostrará facetas de los dos países que son muy útiles”.

El joven protagonista británico Nick Ashdon, por su parte confiesa que “es la experiencia más impresionante de mi vida. Uno de los aspectos más importantes de interpretar la parte de El Greco es que lo vemos como un genio y una figura histórica que hizo cosas maravillosas. Pero es un ser humano”.

La bella Jerónima de las Cuevas, compañera y madre del hijo de El Greco, es interpretada por Laia Marull (“Te doy mis ojos”), que opina que “la relación entre ellos es fuera de lo convencional” y que “es un reto interpretar a este personaje que tuvo que romper con la sociedad y con muchas cosas dentro de ella misma”.

La decoración de los platós se ha hecho con muebles traídos directamente desde España y más de quinientas copias de obras de El Greco, pintadas por tres copistas griegos. La directora del vestuario, la española Lala Huete, traslada al público a los siglos XVI y XVII con un millar de trajes exquisitos, de realización española, y accesorios de la época.

Parte del rodaje se ha hecho en Creta y después de Markópulo, continúa en la isla griega de Rodas, para seguir en Verona (Italia) y luego Toledo y Barcelona. A treinta kilómetros de Atenas se ha improvisado un estudio en lo que fueron las instalaciones de tiro al blanco en los Juegos Olímpicos de 2004.

El arte, propiamente dicho, llegará a la gran pantalla ya mismo, el 21 de noviembre.

“Nacidas para sufrir” de Albadalejo con Adriana Ozores

El director de películas como “La primera noche de mi vida”, “El cielo abierto” o “Rencor”, presentó el rodaje como una comedia que gira entorno al papel de las mujeres como protagonistas de grandes dramas.

En un claro guiño al humor negro y costumbrista de las comedias españolas de mediados del siglo pasado, se ha reunido a un buen número de actrices españolas, quienes, a través de sus personajes. Adriana Ozores repite con Albaladejo (acaba de anunciar que abandona la serie Los hombres de Paco), y se suman al reparto Petra Martínez, Malena Alterio, Marta Fernández-Muro, María Alfonsa Rosso, María Elena Flores o Shena Mistri.

“Nacidas pra sufrir” es una producción conjunta de Tornasol Films y Castafiore Films con un presupuesto de 2,5 millones de euros. El rodaje tiene lugar en los platós de la Ciudad de la Luz y los exteriores también se rodaran en diferentes municipios de la Comunidad Valenciana como Bocairent, Alcoy, Orihuela o Moncada.

Cómo lograr una sonrisa con el sufrimiento ajeno y dónde está el límite del sacrificio social cuando éste es real o es pura apariencia son dos de las preguntas que, en tono de comedia, plantea y responde el director Miguel Abaladejo en su última película: ‘Nacidas para sufrir’.

Adriana Ozores, quien ha manifestado que en algunas escenas se ha acogido a las interpretaciones que su padre, José Luis Ozores, realizó en numerosas comedias, ha subrayado el hecho de que esta película se acerque a un grupo de “mujeres mayores, donde hay amor sin sexo y donde no hay preocupación por la belleza”.

“Appaloosa” y su director: Ed Harris. Estreno el 21 de noviembre

Viggo Mortensen, Ed Harris, Renée Zellweger, Ariadna Gil y Lance Henriksen forman el reparto de este nuevo film dirigido por el actor y ahora también director: Ed Harris.

Appaloosa es un western que surge del cruce del cine de género más clásico, el de Hawks o Sturges. Es un producto sin fisuras ni sorpresas. Con una excepción, el terrible error de casting de la protagonista femenina, una Renée Zellwegger carente del atractivo que se supone debe tener una mujer capaz de convertirse en el imprevisto que altere el normal devenir de los acontecimientos. Y no me refiero a lo físico.

 

LA ENTREVISTA A ED HARRIS POR BEATRICE SARTORI-Fotogramas http://www.fotogramas.es/Peliculas/Appaloosa/Ed-Harris-Talento-indomable

Fotogramas ha hecho una entrevista a Ed Harris sobre el nuevo film que dirige y sobre sus hazañas como director. No defraudará.

Ed Harris (Tenafly, Nueva Jersey, 1950) responde de tú a tú, apresando los ojos de su interlocutor con una mirada azul y penetrante, posiblemente la más límpida del cine después de la del llorado Paul Newman. Su carismática presencia ha arrasado en el Festival de Cine Americano de Deauville (Francia) donde ha presentado su segunda película como director, Appaloosa, un western en el que se puede escuchar el eco del cine de John Ford o Howard Hawks y que llega ocho años después de su primer film como director, Pollock (2000). Vestido de riguroso negro, bronceado, fibroso y encadenando cigarros Camel, Harris se relajó al sol de la Villa Cartier para hablar con FOTOGRAMAS de Appaloosa, una historia de amistad entre dos hombres que cabalgan juntos, apuntalan la ley sin piedad y hablan solo lo justo. Un film tan rudo en apariencia como delicado en esencia, de grandes espacios y silencios entre los que destacan los de Ariadna Gil.

¿Cómo dio con Ariadna Gil? ¿Fue por Alatriste (Agustín Diaz Yanes, 2006)?
Más que por su trabajo en Alatriste fue por una foto junto a Viggo Mortensen en el estreno en España. Ambos exudaban una total felicidad y una silenciosa y magnética química. Quise ver más y creo recordar que me envió una foto. ¡No! Fue un vídeo.

¿Qué fue lo que le decidió?
Su belleza, sin duda. Y la luz que ilumina su rostro cuando sonríe. Después, su tremenda, enorme calidad humana.
Hablando de mujeres, ha venido con su esposa, Amy Madigan, una buena actriz algo desaparecida de las pantallas.
Amy es una mujer formidable, no sería nada sin ella. No es solo su gran inteligencia, profundidad de opiniones, brillantez, sino que es la mejor de las compañeras. Ella lo ve todo, es mis ojos y mi razón. Mire, en noviembre cumpliremos 25 años de matrimonio. Pienso celebrarlo a lo grande. Amy es lo mejor que me ha pasado en la vida.

¿Cómo han superado juntos este cuarto de siglo?
Lo hablamos todo, no nos separamos apenas, no nos perdemos de vista. Somos leales… y nos amamos, claro.

Ella fue su Peggy Guggenheim en Pollock.
Ella construyó enteramente el personaje. No le tuve que decir nada. La revistió de sofisticación, humor y un punto de malignidad.

Appaloosa recrea un Nuevo México mítico hacia 1882, nacido de la pluma del escritor Robert B. Parker. ¿Por qué un western?
Siempre quise ser un cowboy, de niño estaba siempre empuñando un colt de juguete. Y era el sheriff, claro (risas). Esta película la considero un sueño hecho realidad. Con el director de fotografía Deam Semler lo logramos todo: unos forajidos que resuenan amenaza pura, auténticos cabellos sucios y… ¡el polvo! Los miembros del equipo tuvieron que trabajar con máscaras quirúrgicas. Es un Oeste de resonancias míticas, de los pioneros que lo forjaron con sus caballos y colts.

Ha adaptado la novela junto a Robert Knott; ¿cuál fue su prioridad?
Nuestro objetivo era construir una historia que, aunque sucediera en 1880, tuviera resonancias actuales.

Appaloosa tiene un cierto tono melancólico: sus paisajes, los matones y los dos amigos dispuestos a restaurar el orden. Y los detalles de la época son muy reales.
Es lo que buscamos, y creo que lo hemos conseguido. Pudimos construir el pequeño poblado, disponer de un tren de la época, rodar esas enormes praderas polvorientas y sus puestas de Sol… Quise ser fiel al espíritu de la época, por eso para la fotografía me inspiré en las papeles pintados de William Morris y las pinturas de Frederic Remington. Quería que los aperos de los caballos fueran exactos, así como la forma de cabalgar o llevar el rifle. Y que los trajes de las mujeres fueran réplicas justas. No quería que hubiera nada disonante. Y si a eso añades detalles como que Viggo Mortensen diseñara su vestuario…

“Quantum Of Solace” la nueva entrega de James Bond

Protagonista de la anterior y discutida entrega de la serie Bond, Daniel Craig acudió en Valencia a la presentación del último episodio cinematográfico de estas superproducciones británicas, “Quantum Of Solace”.

Tras la proyección, rodeada de extremas medidas de seguridad para evitar la filtración del film en internet, el actor se hizo eco de la reciente victoria de Obama en las presidenciales estadounidenses y aseguró que el mundo “está completamente preparado” para un James Bond de raza negra. “Barack Obama sería el mejor candidato, pero, por favor, no por el momento, ¡dadme una oportunidad”, bromeó el intérprete, contratado ya para rodar la siguiente entrega de la saga. En la imagen, Craig, junto a la nueva “chica Bond”, la actriz ucraniana Olga Kurylenko, reclamo femenino de una cinta que cuenta con la participación del español Fernando Guillén Cuervo.

SINOPSIS:

En Quantum of Solace, James Bond ha capturado al Sr. White, como presenciamos al final de Casino Royal y a través de su nuevo rehén deberá buscar información acerca de la misteriosa organización terrorista en la que trabajaban tanto el Sr White como Le Cock, M le asignara una compañera a Bond, la agente del MI6 destinada en Bolivia conocida simplemente como Fields.

Contará nuevamente con la ayuda de Felix Leiter agente de la CIA y de Rene Mathis quien se revelará como un verdadero aliado de Bond al usar su status de doble agente para descubrir la organización terrorista. Bond también se encontrará con la hermosa Camille  quien ayudará a Bond a superar la muerte y traición de Vesper Lynd y a controlar sus sentimientos.

Mientras, viajando a Panamá se enfrenta con El General Medrano, quien resulta ser miembro de la misma organización terrorista, subordinado del misterioso Dominique Greene. Medrano y Greene planean un acuerdo de beneficio mutuo: la organización terrorista ayudará el ascenso de Medrano al poder y establecer un régimen autocrático en latinoamérica a cambio de otorgarle a Greene una gran parte de tierra latinoamericana y darle control de los recursos naturales más importantes del mundo, y Bond saciará su sed de venganza por la muerte de Vesper Lynd al descubrir que uno de los miembros importantes de la organización es su desaparecido novio argelino aparentemente secuestrado.

TRANSSIBERIAN

TRANSSIBERIAN es un thriller ambientado en el mítico ferrocarril que une la Rusia europea con las provincias del lejano Oriente ruso, Mongolia y China.

Tras una temporada en Pekín, Roy y Jessie, deciden viajar hasta Moscú. La gente que viaja en el monstruoso y algo tétrico tren es bastante extraña y un viajante les explica que los traficantes suelen usarlo para pasar droga.

Al poco de empezar su viaje, la pareja entabla relación con sus compañeros de compartimento Ian y Abby se dedican a viajar por el mundo dando clases de inglés y comprando objetos en un país para revenderlos después, como unas muñecas matryoshka que Ian dice vender en Ámsterdam a muy buen precio.

Sus caminos se cruzarán con el del inspector Grinko, que viaja desde Vladivostok siguiendo los pasos de los asesinos de un narcotraficante y de un importante alijo.

Dos horas muy bien pagadas. Una buena intriga que dura hasta el final. Un reparto excelente donde Eduardo Noriega está a la altura de dioses como Ben Kingsley. Un siberiano paisaje que te impregna de frío el propio cine. Un presupuesto no muy elevado pero que luce muy bien en pantalla. Se vende como una película de terror de serie B, pero no es ni una cosa ni otra, más allá de algún apunte cercano a películas como “Hostel”.

Todos los protagonistas funcionan a la perfección. Destacando el trabajo de Emily Mortimer, la cual a pesar de su aparente fragilidad, tiene una dureza propia del titanio. Eduardo Noriega, borda su papel de chulapo, y Woody Harrelson, parece dejar de nuevo la barra de Cheers para embobarnos con su sonrisa y su bonhomía.

Aunque Rusia en general no sale muy bien parada. Los hombres rusos dilapidan su tiempo a bordo del tren, de cogorza en cogorza. Los policías se nos presentan como gente desalmada capaz de cualquier barbaridad a nada que vean cualquier cosa que no les guste. Se habla de los gulags, de los deportados que precisamente iban en los vagones por las vías que ahora recorre el Transiberiano rumbo al más allá. No con cierta sorna, dice uno de los personajes que se encuentran en el “Salvaje Este“.

Dirección: Brad Anderson. Países: España, Alemania, Reino Unido y Lituania.
Año: 2008. Duración: 111 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Woody Harrelson (Roy), Emily Mortimer (Jessie), Kate Mara (Abby), Eduardo Noriega (Carlos), Thomas Kretschmann (Myassa), Ben Kingsley (Ilya Grinko), Colin Stinton (oficial de la embajada), Etienne Chicot, Mac McDonald (ministro).
Guión: Brad Anderson y Will Conroy.
Producción: Julio Fernández.
Música: Alfonso de Vilallonga. Fotografía: Xavi Giménez.
Montaje: Jaume Martí.
Diseño de producción: Alain Bainée.
Vestuario: Thomas Olah.

 

“Los años desnudos”, estreno el 24 de octubre

Es Madrid en el año 1975. Tres mujeres, rondando los treinta años, comienzan a hacer cine tras haber pasado por el Cabaret, la publicidad, etc.

Lina, Sandra y Eva son de distinta procedencia pero las tres son mujeres atractivas que trabajan exclusivamente en el cine clasificado “S” que se produjo en España durante la transición entre los años 1976 y 1983.

Las tres se conocerán en un rodaje y a partir de ahí, coincidirán en otras películas. Terminarán siendo amigas que compartirán experiencias similares.

Viven en España cuando ésta comienza a ver la libertad aunque con represión y subdesarrollo; abanderan la modernización del país pero siguen rodeadas de hombres que las utilizan a cambio de un éxito efímero que las acabarán transformando en juguetes rotos…

Parece mentira que en los tiempos que estamos siga siendo trascendente estas evidencias de los años setenta u ochenta. Seguimos sin tener asumido las calamidades que pasaron nuestros antecedentes y sin reconocer el mérito que tuvieron todas aquellas mujeres que se desnudaron ante nuestros ojos o mejor dicho, a los ojos de nuestros padres, abuelos… Hicieron que lo que vemos y hacemos en nuestras costas españolas se viera con naturalidad. Además, rompieron con ese puritanismo encubierto. Hemos de agradecer, aunque suene a paradoja, esos desnudos que nos hicieron avanzar en un momento de incertidumbre.

The Women

The Women nos sitúa en un entorno de mujeres sofisticadas de clase alta y se centra en un grupo de amigas en el que surge un conflicto: una de ellas (Annette Bening) descubre que el marido de otra (Meg Ryan) tiene una amante. Una trama de origen teatral (de Claire Boothe Luce), llevada al cine en 1939 por George Cukor (1899-1983), autor de obras maestras como Historias de Filadelfia (1940) o La Costilla de Adán (1949) y cineasta con especial sensibilidad para dirigir actrices.

Después de Sexo en Nueva York, llega a nuestros cines The Women

Meg Ryan encabeza esta lista de glamurosas mujeres. Tras estar dos años alejada de las cámaras, Meg regresa con este “remake” de la cinta de George Cukor que rodó en 1939. Una historia sobre la amistad, el perdón y la presión de los condicionamientos sociales que cuenta con un reparto excepcional.

“Bien realizada, bien escrita, bien interpretada (…) Puntuación: *** (sobre 4).” (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

“Me apetecía verla, pero ya desde la primera escena este remake actualizado de ‘Mujercitas’ (1939) a cargo de la creadora de ‘Murphy Brown’ -que parecía idonea para el trabajo- es un desastre total. (…) Puntuación: * (sobre 4).” (Lou Lumenick: New York Post)

“No es normal que en una película estés deseando que salga Vin Diesel corriendo y haciendo volar cosas por los aires.” (Rene Rodriguez: Miami Herald)

“Piensa en ‘Sex and the City’ pero sin el sexo. (…) totalmente fallida. (…) Puntuación: * (sobre 4).” (Peter Travers: Rolling Stone)

“The women, en versión de 2008, más que actualizar su discurso, lo pervierte, al tiempo que estropea su andamiaje formal por culpa de una ostensible, bochornosa falta de talento.” (Javier Ocaña: Diario El País)

“Una comedia tan agradable como, para bien o para mal, elogio o crítica, trivial. (…) Lo mejor: La fluidez de una narración con pocas incidencias relevantes y Annette Bening (…) Lo peor: Se tiene la sensación de estar viendo un telefilme (…) Puntuación: ** (sobre 5).” (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

“Los Girasoles Ciegos” del mismísimo Cuerda

Situada en Orense en 1940. Una casa llena de secretos. Un niño aleccionado sobre la historia de su familia. Una viuda que es viuda de puertas para fuera. Un diácono obsesionado…

Esta historia abrumadora aspirante al Oscar cuenta cómo una familia sobrelleva la situación de tener un marido o padre que es perseguido por su ideología. Ricardo lleva años encerrado sin salir de casa. Poco a poco esto le va llevando hacia la locura lógica.

Salvador, un diácono desorientado tras su lucha en el frente, vuelve al seminario de Orense. Las dudas en la vocación del joven llevan al Rector a retrasar su acceso al sacerdocio durante un año. Mientras, Salvador dará clases en el colegio donde estudia Lorenzo, el hijo de Elena, a quien Salvador cree viuda. El diácono se obsesiona con ella y la acosa.

La frágil realidad de la familia se tambalea. Heridos y zarandeados por las circunstancias, los protagonistas de “Los girasoles ciegos” se golpean contra un muro de represión, amores imposibles y derrotas emocionales, mientras buscan un resquicio para volver a la vida.

Una película que podría considerarse de autor por su no ansia de llamar la atención por ser comercial sino por transmitir un mensaje que hay que entender y tener especial sensibilidad. No es la típica historia de guerra que tan de moda está ultimamente.

Maribel Verdú, Javier Cámara, José Ángel Egido y por supuesto, el director, José Luis Cuerda son los responsables de esta obra cinematográfica que no defraudará.

SABÍAS QUE…

GIRASOLES CIEGOS según la Biblia son aquellos que han perdido la fe.

“Camino” y el cielo

Camino no es sólo el nombre de la niña protagonista, es también el título de la obra de Josemaría Escrivá de Balaguer, fundador del Opus Dei.

El arranque de esta película se puede decir que es atronador. Una niña está en su lecho de muerte, alegre, espléndida y entregada al amor de Jesús. Su familia y algunos presentes ven cómo va muriendo. Pero la película no es sólo muerte, trata sobre la vida de una niña muy católica y fiel seguidora del amor de Jesús. 

Camino es una menor que le planta cara a la muerte en una titánica y heroica lucha con las únicas armas de su sonrisa y su inocencia. Cada uno es libre de agarrarse a lo que puede para soportar esa pérdida injusta a tan temprana edad. Quienes crean en Dios, pensarán que está con su Dios y quienes no crean en nada, sus sueños serán su apoyo.

Según E. Rodríguez Marchante:”«Camino» es una obra tan brillante como excesiva, que te provoca atracción y rechazo, que retrata de un modo radiante, cromático y gustoso algunos rincones oscuros de nuestro propio interior, al tiempo que describe (en realidad, se describen a sí mismos) ambientes oscuros, taimados y calculadores con la creencia de que están en el mismo foco de la luz del sol. «Camino» es polisemia pura, es pluralidad de significados y disparidad de sentimientos, supongo que es una película tan fácil de reprobar, de maljuzgar, como difícil de olvidar algunos de sus imborrables momentos. Todos sus actores están magníficos, Carmen Elías, Mariano Venancio, Manuela Vellés, pero la niña Nerea Camacho no está magnífica, está literalmente gloriosa, bienaventurada, completamente celestial.”

Ahora están ustedes para juzgar si la familia de Camino hizo bien en inculcarle unos valores cristianos que parecen llegar a ser fanáticos, que cuando muere su familia aplaude… Esta obra de Javier Fesser está basada en hechos reales.

“Quemar después de leer”, una de ladrones

Los hermanos Coen disfrazan a George Clooney y a Brad Pitt de estúpidos descerebrados en QUEMAR DESPUÉS DE LEER.

LA IDIOTEZ EN DIEZ PASOS por Manuel Yánez Murillo – FOTOGRAMAS- http://www.fotogramas.es/Peliculas/Quemar-despues-de-leer/Oda-a-la-idiotez-en-10-pasos:

1. Cuarentones y perdedores. Según Ethan Coen, nuestros primeros films trataban sobre jóvenes perdedores, pero ahora nuestros personajes ya son cuarentones. Respecto al asunto de la vejez, Joel Coen añade: Los actores a los que conocemos van haciéndose mayores, con lo cual no nos quedan muchas alternativas. Es un proceso natural que no nos produce demasiados dolores de cabeza.

2. Entre Tony Scott y Jason Bourne. En Quemar después de leer los Coen realizan su propia lectura del thriller de espionaje. Según Ethan, queríamos escribir una intriga con Washington como escenario, pero al final nos ha salido esto. Para nosotros es difícil hacer una película como las de Tony Scott. Siguiendo con el juego de las versiones, Joel Coen apunta: Quemar después de leer es nuestra versión particular de las películas de Jason Bourne.

3. Tontos en su justa medida. Los actores estaban nerviosos por el riesgo de pasarse de vueltas en sus interpretaciones, explica Joel Coen. Los personajes son muy extremos, pero creo que finalmente todos lograron equilibrarlos. Por su parte, Ethan revela que antes de rodar, estuvimos unos días ensayando con Brad Pitt y Frances McDormand, para que pudieran calibrar juntos sus personajes.

4. El tupé de Brad Pitt. ¿Cómo surgió la idea para el peinado de Pitt? El primer día, Brad llegó de rodar un anuncio para el que había utilizado ese peinado y llegamos a la conclusión de que era la imagen perfecta para el personaje, explica Ethan. Joel apunta: El peinado de Javier Bardem en No es país para viejos había funcionado y pensamos que podía ser divertido jugar con el de Brad.

5. Apellidos trabalenguas. Quemar después de leer es un festival de nombres trabalenguas: Harry Pfarrer, Linda Litzke o Chad Feldheimer. Para Ethan, solo al terminar la película vimos la cantidad de nombres de origen germano que habíamos utilizado. Joel Coen aclara uno de ellos: Litzke es el nombre de la panadería que había cerca de nuestra casa, que en realidad era polaca.

6. Teléfono rojo: volamos a Washington. A pesar de ser una comedia, Quemar después de leer proyecta una imagen de la sociedad norteamericana sumida en la paranoia. ¿Se trata de una película política? No era nuestra intención, responde Ethan, aunque puede detectarse la paranoia de las películas de espionaje de los 60 y 70. Joel es más específico: Queríamos hacer una película del estilo de ¿Teléfono Rojo? Volamos hacia Moscú (Stanley Kubrick, 1964), pero sin un análisis político del mundo actual.

7. Viaje alucinante al cerebro de los Coen. La inspiración para el personaje de Linda Litzke fue Linda Tripp, confidente de Monica Lewinsky, célebre amante de Bill Clinton. Joel Coen explica: Pensamos que sería divertido ver a Frances interpretar a alguien como Linda Tripp, una mujer que se sometió a un montón de cirugía y que transformó completamente su imagen.

8. Misterios sin resolver. Nadie sabe cómo es realmente el interior de las oficinas de la CIA, apunta Joel Coen, y la verdad es que nos daba igual. Las recreamos en el sótano de una compañía de seguros de Manhattan. Ethan añade: Rodar esta película fue mucho más sencillo que No es país para viejos (2007), ya que hicimos casi todo el trabajo en Nueva York, donde vivimos.

9. El bar de los Oscar ¿Ha cambiado la vida de los Coen después de los Oscar? Nada, responden los dos al unísono. De hecho, rodamos esta película antes de los Oscar, comenta Joel. Para Ethan, lo único bueno del premio es que es icónico. Lo ves ahí, en tu oficina, y parece que te transmita buenas vibraciones. En cuanto a la gala en sí, Joel sostiene que la primera vez es divertido, pero después el tedio se hace insoportable. Ethan levanta las cejas y sentencia: Al menos tienen un bar.

10. Nada de improvisación. Preguntada por el trabajo con los hermanos Coen, Tilda Swinton destaca la comicidad del guión de la película, respetado a rajatabla durante la filmación. No hay nada de improvisación en la película. Y eso es una prueba de la calidad de los Coen como guionistas. Aunque para Frances McDormand es también una prueba de su tiranía.

QUEMAR DESPUÉS DE LEER es sin duda una parodia del cine de espías pero sin llegar a ser la estrella del género. Los Hermanos Coen siguen con su estilo pero esta vez, no llegará al público de la misma forma que “No es país para viejos”.

 

Iron Man ya a la venta en DVD

La primera película producida enteramente por Marvel Studios se posiciona como el DVD del mes.

Esta obra resultó ser la sorpresa del verano en términos económicos, pues, a pesar de que el personaje central no tiene los niveles de popularidad de Spider-Man, la película satisfizo tanto a los fanáticos del cómic original como al resto de los espectadores.

• SINOPSIS:

Como consejero delegado de Industrias Stark, el mayor contratista de armamento del Gobierno estadounidense, Tony Stark se ha hecho célebre por proteger durante décadas los intereses norteamericanos en todo el mundo. El estilo de vida despreocupado de Tony cambia de manera radical cuando su convoy sufre un ataque, tras una prueba de armamento que supervisa personalmente se ve prisionero en un grupo de insurgentes.

Herido por un fragmento de metralla, Tony se ve forzado a crear un arma devastadora para Raza, el misterioso cabecilla de los revolucionarios. Día y noche en su taller, Tony va perfeccionando y puliendo una armadura que le otergue fuerza sobrehumana y protección física.

Al final, Tony descubre un siniestro complot con ramificaciones globales. Enffundándose su imponente armadura roja y dorada, Tony se compromete a proteger el mundo y corregir sus injusticias con su nuevo álter ego, IRON MAN.

Dirección: Jon Favreau.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 127 min.
Género: Acción, ciencia-ficción.
Interpretación: Robert Downey Jr. (Tony Stark/Iron Man), Terrence Howard (James Rhodes), Jeff Bridges (Obadiah Stane), Shaun Toub (Yinsen), Gwyneth Paltrow (Virginia “Pepper” Potts), Faran Tahir (Raza), Jon Favreau (Hogan).
Guión: Mark Fergus, Hawk Ostby, Art Marcum y Matt Holloway; basado en los personajes creados por Stan Lee, Larry Lieber, Don Heck y Jack Kirby.
Producción: Avi Arad y Kevin Feige.
Música: Ramin Djawadi.
Fotografía: Matthew Libatique.
Montaje: Dan Lebental.
Diseño de producción: J. Michael Riva.
Vestuario: Laura Jean Shannon.